Nesse São João, um programa especial com um estilo africano muito parecido com o nosso Forró, o Funaná da banda caboverdiana Ferro Gaita.
ouça e baixe (clique aqui)
veja como é a dança do funaná (clique aqui)
Segundo a wikipédia o Funaná "é um gênero musical relativamente recente. Segundo a tradição oral, o funaná surgiu quando, numa tentativa de aculturação, o acordeão teria sido introduzido na ilha de Santiago no início do séc. XX, para que a população aprendesse géneros musicais portugueses. O resultado, no entanto, teria sido completamente diferente: seria a criação de um género novo e genuíno. Não existem no entanto, documentos musicológicos a corroborar isso. Mesmo assim, não deixa de ser curioso o facto de, mesmo sendo um género musical totalmente diferente, o uso da gaita e do ferrinho no funaná é análogo ao uso do acordeão e dos ferrinhos em certos géneros musicais portugueses (malhão, corridinho, vira, etc.). Outras fontes, também de tradição oral, referem outra origem. Situam a origem do funaná no incremento da importação de acordeões como um substituto barato de órgãos para interpretar música religiosa. O funaná teria então surgido da adaptação para acordeão de outros géneros musicais então em voga. O próprio nome «funaná» também é recente, e data provavelmente dos anos 60 e 70. Para uns, o nome deriva da palavra portuguesa «fungagá». Para outros o nome vem da junção dos nomes de dois exímios tocadores, um de gaita e outro de ferrinho, chamados Funa e Naná. As palavras mais antigas para designar o funaná[3] eram «fuc-fuc» e «badju l’ gaita». Inicialmente um género exclusivo de Santiago, durante muito tempo o funaná foi relegado para um contexto rural e/ou para as camadas mais desfavorecidas da população. Chegou mesmo a ser proibida a sua interpretação na capital, onde era a morna que gozava de prestígio e de um carácter nobre. Mas durante a década de 70, e sobretudo depois da independência, houve tentativas de fazer ressurgir certos géneros musicais, entre os quais o funaná. A ideologia socialista do pós-independência, com a luta contra a desigualdade entre as classes sociais coinstituiu terreno fértil para o (re)surgimento do funaná, que até então era considerado música das camadas mais desfavorecidas. Essas tentativas não foram muito bem sucedidas sobretudo porque «o funaná não conseguiu desgarrar-se da coladeira. Foi necessário esperar pela década de 80 para que o conjunto Bulimundo e sobretudo o seu mentor Carlos Alberto Martins (mais conhecido por Catchás) viessem fazer ressurgir o funaná[1]. Indo «beber» directamente à fonte (o interior da ilha de Santiago), Catchás aproveitou os seus conhecimentos de jazz e música clássica para inventar um novo estilo de tocar o funaná, apoiando-se em instrumentos eléctricos e electrónicos[4], que viria a influenciar quase todos os artistas em diante. Graças ao sucesso do conjunto Bulimundo, o funaná foi exportado para todas as ilhas em Cabo Verde. Hoje, o funaná já não é visto como um género exclusivo de Santiago, sendo composto, interpretado e apreciado por pessoas de todas as ilhas. Se os anos 80 foram os anos da divulgação do funaná em Cabo Verde, os anos 90 foram os anos da internacionalização[1]. O conjunto Finaçon, nascido de uma cisão do conjunto Bulimundo, foi um dos responsáveis pela divulgação internacional deste género musical, graças a um contrato com uma prestigiada firma distribuidora estrangeira. Não só o funaná passa a ser conhecido internacionalmente, como é também interpretado por conjuntos musicais no estrangeiro, cabo-verdianos ou não. A nível de técnicas musicais não se registam grandes inovações ao «estilo Catchás», talvez apenas no que diz respeito à orquestração (exploram-se as possibilidades dos instrumentos electrónicos). Verifica-se também, nesta altura, a excessiva comercialização e banalização do funaná. Durante um ano, houve a tentativa de divulgar o funaná em França. Essa tentativa não teve sucesso porque tentou-se vender o funaná como «música de moda para dançar no Verão» (logo a seguir à lambada), e não explorar as particularidades etno-musicais do funaná. A partir dos fins dos anos 90 assiste-se a um retorno às raízes, onde os conjuntos preferem interpretações com gaitas e ferrinhos autênticos (ocasionalmente adiciona-se um baixo, uma bateria e/ou uma guitarra). Um dos principais conjuntos dessa nova vaga é o conjunto Ferro Gaita."
Segundo o site da banda Ferro Gaita: "O nome Ferro Gaita vem da combinação dos dois instrumentos: o ferro (pedaço de metal tocado com uma faca) e a gaita (tipo de acordeão), utilizados na musica tradicional caboverdeana, como instrumentos base do gênero musical mais tocado pelo grupo: o funaná, que teve a sua gênese, com a chegada do acordeão a cabo verde, com o camponês do interior de santiago a apoderar-se deste instrumento e a cantar a sua alma e a sua vivência típica; com muita pobreza, revolta e contestação escondidas, motivos que levaram a que essa musica fosse proibida em lugares públicos, durante a época colonial. A 22 de julho de 1996, nasce o grupo musical Ferro Gaita, formado por 3 jovens músicos, que descobriram na gaita, no ferro, na bateria e na viola baixo, tendo como base o funaná, o batuco e outros estilos musicais tradicionais: como o funaná lento, rápido e sambado, o batuque, a tabanka (com a introdução de instrumentos tradicionais de sopro como a bombona (búzio com mais de 100 anos), meia bumba e cornetinha) e o finaçon. Em 2002 o grupo foi nomeado para o kora awards (maior prémio da musica africana), na categoria de melhor grupo de musica tradicional. Em 2007 o grupo foi distinguido pelo governo de cabo verde com a medalha de mérito cultural de 1ª classe e homenageado pelo ministério da cultura de cabo verde."
discografia:
fundu baxu – 1997
rei di tabanka – 1999
rei di funaná – 2001 – compilação
bandêra liberdadi – 2003
ferro gaita ao vivo “finkadu na raiz” – cd / dvd -2006
20/06/2009
28/05/2009
25/05/2009
Música africana na Internet
Tema será apresentado por Simão Souindoula durante o VI Simpósio de Música Africana em Agosto. 06.01.2009
Adriano de Melo
A expansão da música africana e sua inserção na dinâmica da nova era tecnológica será o tema de uma palestra a ser proferida pelo historiador Simão Souindoula, durante os trabalhos do VI Simpósio de Música Africana, que terão lugar na capital do Congo, Brazzaville, de 3 a 7 de Agosto.
Considerada pelo especialista como “uma temática bem actual e crucial nesta era da globalização”, o encontro permitirá, de acordo ainda com Simão Souindoula, mostrar que “a oportuna inserção da música africana na Internet permite hoje navegar e explorar as várias culturas de África, transmitidas ao público a partir das canções”.
Denominado “A Música Africana no Cruzamento dos Caminhos da Globalização”, o especialista que representou, durante anos, o Centro Internacional das Civilizações Bantu (CICIBA) no conselho de administração deste simpósio, apresentará uma comunicação com o título “A Música Africana Digital, o seu Potencial na Internet e os seus Efeitos no Mercado Internacional”.
Para Simão Souindoula, que é consultor da UNESCO e da União Africana no domínio da expansão das indústrias culturais no espaço da Comunidade Económica dos Estados da África Central (Ceeac), “o desenvolvimento digital das expressões musicais africanas permitirá melhorar os seus resultados financeiros no mercado internacional, que mantêm-se há anos a menos de um por cento do comércio mundial dos suportes musicais”.
Na linha do tema do encontro, o historiador angolano recordará que a Internet e as novas tecnologias são um trunfo para a música do continente, por permitirem aos diversos provedores criarem sites e marcas, proveitosas na expansão e divulgação dos hábitos e costumes africanos.
O especialista avançou ainda que fará, durante o encontro, uma avaliação das consultas de alguns “sites” na Internet que oferecem música africana, tais como as marcas inglesas World Circuit, que produziu o maliano Ali Farka Toure e a orquestra Baobab de Dakar, e a francesa Spirale –DG Diffusion, que lançou o documentário musical “Justo Valdez e la Rumba Palenquera”, em homenagem ao percussionista Batata.
Segundo o historiador angolano, a sua participação nas actividades do Festival Panafricano de Música 2009 (Fespam), ajudará a contribuir para um melhor conhecimento da música africana, com informações decisivas sobre a sua evolução modernista, a sua organologia e o seu contributo para as lutas de libertação em África.
“Esta última vertente vai constar nas actas do último Simpósio de Música Africana, sobre o lema ‘O papel da música na libertação de África’, que será lançada, em Paris, no próximo dia 25 de Maio, Dia de África, pelas edições Harmattan, e terá também um estudo meu intitulado ‘O conjunto Nzaji. O ícone da música revolucionária angolana de exílio’”, explicou.
fonte: Jornal de Angola
disponível na Casa das Africas
Adriano de Melo
A expansão da música africana e sua inserção na dinâmica da nova era tecnológica será o tema de uma palestra a ser proferida pelo historiador Simão Souindoula, durante os trabalhos do VI Simpósio de Música Africana, que terão lugar na capital do Congo, Brazzaville, de 3 a 7 de Agosto.
Considerada pelo especialista como “uma temática bem actual e crucial nesta era da globalização”, o encontro permitirá, de acordo ainda com Simão Souindoula, mostrar que “a oportuna inserção da música africana na Internet permite hoje navegar e explorar as várias culturas de África, transmitidas ao público a partir das canções”.
Denominado “A Música Africana no Cruzamento dos Caminhos da Globalização”, o especialista que representou, durante anos, o Centro Internacional das Civilizações Bantu (CICIBA) no conselho de administração deste simpósio, apresentará uma comunicação com o título “A Música Africana Digital, o seu Potencial na Internet e os seus Efeitos no Mercado Internacional”.
Para Simão Souindoula, que é consultor da UNESCO e da União Africana no domínio da expansão das indústrias culturais no espaço da Comunidade Económica dos Estados da África Central (Ceeac), “o desenvolvimento digital das expressões musicais africanas permitirá melhorar os seus resultados financeiros no mercado internacional, que mantêm-se há anos a menos de um por cento do comércio mundial dos suportes musicais”.
Na linha do tema do encontro, o historiador angolano recordará que a Internet e as novas tecnologias são um trunfo para a música do continente, por permitirem aos diversos provedores criarem sites e marcas, proveitosas na expansão e divulgação dos hábitos e costumes africanos.
O especialista avançou ainda que fará, durante o encontro, uma avaliação das consultas de alguns “sites” na Internet que oferecem música africana, tais como as marcas inglesas World Circuit, que produziu o maliano Ali Farka Toure e a orquestra Baobab de Dakar, e a francesa Spirale –DG Diffusion, que lançou o documentário musical “Justo Valdez e la Rumba Palenquera”, em homenagem ao percussionista Batata.
Segundo o historiador angolano, a sua participação nas actividades do Festival Panafricano de Música 2009 (Fespam), ajudará a contribuir para um melhor conhecimento da música africana, com informações decisivas sobre a sua evolução modernista, a sua organologia e o seu contributo para as lutas de libertação em África.
“Esta última vertente vai constar nas actas do último Simpósio de Música Africana, sobre o lema ‘O papel da música na libertação de África’, que será lançada, em Paris, no próximo dia 25 de Maio, Dia de África, pelas edições Harmattan, e terá também um estudo meu intitulado ‘O conjunto Nzaji. O ícone da música revolucionária angolana de exílio’”, explicou.
fonte: Jornal de Angola
disponível na Casa das Africas
23/05/2009
Especial Brasil - Africa
Hoje temos um programa especial: Brasil - Africa. Uma seleção com alguns dos melhores momentos do diálogo entre a mpb e a música pop africana.
Em breve todos nossos programas estarão disponíveis no Portal da Eletrocooperativa
Em breve todos nossos programas estarão disponíveis no Portal da Eletrocooperativa
12/03/2009
Angola e Bahia unidas pela arte
O cantor angolano Dog Murras engata parceria com os baianos Márcio Victor e Carlinhos Brown para popularizar o ritmo africano no Brasil
CHICO CASTRO JR.
ccastrojr@grupoatarde.com.br
Se depender do cantor angolano Dog Murras e do baiano Márcio Victor, do Psirico, o ritmo do kuduro – original de Angola – não sai de moda tão cedo. A dupla prepara para breve o lançamento do álbum Kuduro Brasil, uma jogada decisiva para popularizar de vez a batida d‘além mar em terras brasileiras.
Em outra frente, Murras, Victor e Carlinhos Brown tocam outro projeto, denominado Angobahia.
O rapaz de Luanda, que participou do Carnaval em cima do trio com Victor, define o projeto como uma “iluminação divina.
Temos conversado muito e a gente identifica visões comuns e problemas comuns. Eles (Victor e Brown) têm preocupações com o povo da Bahia e eu, com o povo de Angola“.
Sobre o Kuduro Brasil, Márcio Victor define o projeto como “diferente do Angobahia , que é mais conceitual. O Kuduro Brasil é comércio mesmo, vamos fazer muitos shows pelo Brasil, vamos tirar um tempo pra fazer essa turnê, eu e ele“.
O que não está certo ainda é a data em que essa maratona começa.
“Vai ter um lançamento, mas não temos ainda previsão.
Ele está indo para Angola agora, mas volta em maio“, disse Victor.
De certo é que sai esse ano. “O Kuduro Brasil vai ser lançado ainda esse ano com a Penteventos, que vai tocar esse barco. O Dog vai trazer dançarinos e tudo“, acrescentou.
Na semana passada, a dupla gravou o clipe da música Kuduro de Fogo, que logo vai ser lançado.
“Nós mesmos dirigimos, gravamos na produtora A Ilha. É um clipe com cenas picantes, muita mulher e muito kuduro“, disse.
Segundo Dog Murras, o kuduro surgiu em Angola como “uma cópia mal feita da música dance tecno europeia. A ela foram se juntando guitarras tocadas à moda angolana. Para dar a patente da Angola, misturei o kuduro com o kazukuta, que é o ritmo do carnaval angolano“.
“Hoje o kuduro é sem dúvida a maior manifestação cultural de Angola, terra do diamante, do petróleo e do kuduro“, acredita Dog Murras.
Márcio Victor descreve o Kuduro Brasil como uma fusão: “Tem sons programados, sim, mas misturado com a pegada orgânica da gente, com surdo e timbau“.
Já o projeto Angobahia tem um caráter um tanto mais didático do que o Kuduro Brasil.
“É mais ou menos como uma ong. Queremos abrir uma escola em Angola, além de promover espetáculos aqui (na Bahia) e lá em Angola. Haverá a gravação de um documentário sobre esse nosso encontro“, enumera Dog.
“O Angobahia é um projeto que se pretende histórico. Nossa finalidade é que várias pessoas bebam dessa fonte, pois nele poderão ser pesquisadas várias linhas de ritmo e melodia. A ideia é transformá-lo numa fonte de pesquisa“, afirma o angolano.
Por enquanto, ainda não há previsão sequer do término das gravações. “O problema é conciliar as agendas dos três (Dog, Victor e Brown)“, confessa.
”Quando podemos nos encontrar aqui, gravamos. Temos umas cinco músicas já gravadas.
Como fazemos naturalmente, sem pressa, não temos previsão de nada ainda. Mas temos certeza que é um projeto que vai beneficiar Angola e Brasil”.
”Trata-se de resgatar traços culturais que nossos antepassados trouxeram para cá e ficaram melhor conservados aqui do que lá em Angola, como o batuque, a capoeira e o candomblé, que os colonizadores portugueses proibiam os angolanos de praticar”, conta Dog.
”Por isso queremos criar essa escola em Luanda. Ela seria o ponto de resgate dessas tradições”, conclui.
fonte:
A Tarde
EDIÇÃO DO DIA 10.03.2009
Sotaque Baiano - Página 8
CHICO CASTRO JR.
ccastrojr@grupoatarde.com.br
Se depender do cantor angolano Dog Murras e do baiano Márcio Victor, do Psirico, o ritmo do kuduro – original de Angola – não sai de moda tão cedo. A dupla prepara para breve o lançamento do álbum Kuduro Brasil, uma jogada decisiva para popularizar de vez a batida d‘além mar em terras brasileiras.
Em outra frente, Murras, Victor e Carlinhos Brown tocam outro projeto, denominado Angobahia.
O rapaz de Luanda, que participou do Carnaval em cima do trio com Victor, define o projeto como uma “iluminação divina.
Temos conversado muito e a gente identifica visões comuns e problemas comuns. Eles (Victor e Brown) têm preocupações com o povo da Bahia e eu, com o povo de Angola“.
Sobre o Kuduro Brasil, Márcio Victor define o projeto como “diferente do Angobahia , que é mais conceitual. O Kuduro Brasil é comércio mesmo, vamos fazer muitos shows pelo Brasil, vamos tirar um tempo pra fazer essa turnê, eu e ele“.
O que não está certo ainda é a data em que essa maratona começa.
“Vai ter um lançamento, mas não temos ainda previsão.
Ele está indo para Angola agora, mas volta em maio“, disse Victor.
De certo é que sai esse ano. “O Kuduro Brasil vai ser lançado ainda esse ano com a Penteventos, que vai tocar esse barco. O Dog vai trazer dançarinos e tudo“, acrescentou.
Na semana passada, a dupla gravou o clipe da música Kuduro de Fogo, que logo vai ser lançado.
“Nós mesmos dirigimos, gravamos na produtora A Ilha. É um clipe com cenas picantes, muita mulher e muito kuduro“, disse.
Segundo Dog Murras, o kuduro surgiu em Angola como “uma cópia mal feita da música dance tecno europeia. A ela foram se juntando guitarras tocadas à moda angolana. Para dar a patente da Angola, misturei o kuduro com o kazukuta, que é o ritmo do carnaval angolano“.
“Hoje o kuduro é sem dúvida a maior manifestação cultural de Angola, terra do diamante, do petróleo e do kuduro“, acredita Dog Murras.
Márcio Victor descreve o Kuduro Brasil como uma fusão: “Tem sons programados, sim, mas misturado com a pegada orgânica da gente, com surdo e timbau“.
Já o projeto Angobahia tem um caráter um tanto mais didático do que o Kuduro Brasil.
“É mais ou menos como uma ong. Queremos abrir uma escola em Angola, além de promover espetáculos aqui (na Bahia) e lá em Angola. Haverá a gravação de um documentário sobre esse nosso encontro“, enumera Dog.
“O Angobahia é um projeto que se pretende histórico. Nossa finalidade é que várias pessoas bebam dessa fonte, pois nele poderão ser pesquisadas várias linhas de ritmo e melodia. A ideia é transformá-lo numa fonte de pesquisa“, afirma o angolano.
Por enquanto, ainda não há previsão sequer do término das gravações. “O problema é conciliar as agendas dos três (Dog, Victor e Brown)“, confessa.
”Quando podemos nos encontrar aqui, gravamos. Temos umas cinco músicas já gravadas.
Como fazemos naturalmente, sem pressa, não temos previsão de nada ainda. Mas temos certeza que é um projeto que vai beneficiar Angola e Brasil”.
”Trata-se de resgatar traços culturais que nossos antepassados trouxeram para cá e ficaram melhor conservados aqui do que lá em Angola, como o batuque, a capoeira e o candomblé, que os colonizadores portugueses proibiam os angolanos de praticar”, conta Dog.
”Por isso queremos criar essa escola em Luanda. Ela seria o ponto de resgate dessas tradições”, conclui.
fonte:
A Tarde
EDIÇÃO DO DIA 10.03.2009
Sotaque Baiano - Página 8
24/02/2009
Kuduro no pé
Thiago Teixeira/Agência A TARDE
Cleidiana Ramos, do A TARDE
O Kuduro virou uma das coqueluches do Carnaval deste ano por conta do hit do Fantasmão: Isso não é samba/ Essa mania vem de Luanda/ Kuduro, Kuduro, Kuduro, Kuduro. Mas a intimidade baiana com a dança importada de Angola é bem mais antiga do que a adoção do ritmo pelo reino do pagode.
Em Plataforma, a Academia de Kuduro Baiano-Angola, que funciona de forma itinerante, já divulga o ritmo pela cidade desde 2000. Durante a folia de Momo em Salvador a turma do kuduro ganhou um reforço de peso: o cantor angolano Yuri da Cunha que é especialista em outros ritmos como o semba, mas que também toca o kuduro.O kuduro nasceu em Angola como um ritmo de rua na década de 90. Viveu um período de marginalização até que no ano passado virou moda no país.
“Minha ligação com o kuduro começou em 2001 por meio de Dog Murras, que divulgou o ritmo. O ano passado durante a minha apresentação na festa de aniversário do presidente de Angola, José Eduardo dos Santos, eu cantei o kuduro. O presidente cantou e dançou. No outro dia só se falava nisso”, conta Yuri.
Molejo – O nome da dança remete realmente à forma como o bumbum fica em alguns momentos da perfomance. Daí para a frente é só ir mantendo o ritmo, mas, para ser leal à sinceridade, não é facil ganhar o molejo dos experts como Bonês, Bela, Filomena e Yuri Barata, que acompanham Yuri da Cunha ou Álvaro Di Amaro, Alda Valéria, Nadjara e Sendji Fortunato, da Academia.
Mas vale dizer que o ritmo contagiante ajuda muito. “É uma dança que é feita com elementos de outros ritmos, como o hip hop, com os movimentos soltos ”, conta Sendji. Foram os seus pais que apresentaram o ritmo a Álvaro.
“Isso foi em 1995. A gente começou pensando em fazer umas festas de divulgação do kuduro. A coisa foi crescendo, acabou em um projeto social e finalmente na Academia”, acrescenta.
Pagode – A longa história do kuduro fica ofuscada diante da versão pagode que ela tomou a partir do ritmo de Fantasmão. Embora a turma que o conheça de longas datas faça questão de destacar que a forma pagodeira fica bem longe da original, a fama repentina está ajudando na divulgação do verdadeiro formato do ritmo.
“Se tem este lado ruim da música ganhar as ruas numa versão que é distante do que ela realmente é, tem o lado bom que é fazer com que as pessoas sintam a curiosidade de saber o que é o kuduro de fato”, completa Sendji.
E a participação de Yuri da Cunha no Carnaval- ele hoje ainda se apresenta no Circuito Dodô (Bara-Ondina a partir de meia-noite- também tem aberto espaço para que a Bahia conheça outros ritmos de além-mar como o semba. Aos 28 anos, Yuri tem uma longa e premiada carreira musical tanto em Angola como em Portugal.
“Eu agora estou pensando em investir também em ficar mais conhecido aqui na Bahia”, conta o cantor. Neste Carnaval ele já fez participação especial no trio e no camarote de Daniela Mercury, no camarote Lotus e cantou com Alexandre Pires, ao lado de quem deseja realizar novos projetos.
23/02/2009
Amayo na Bahia
Arto Lindsay traz destaque internacional para folia baiana 
Nesta terça-feira, o músico americano-baiano Arto Lindsay e Ilê Aiyê promovem o encontro da guitarra elétrica com a percussão afro em cima do trio. O desfile terá como convidados a atriz e cantora carioca Thalma de Freitas, integrante da Orquestra Imperial, e o norte-americano Amayo (foto), vocalista da Antibalas Afrobeat Orchestra, considerada pela crítica especializada um dos melhores grupos de Afrobeat de Nova Iorque.
Amayo é o grande destaque da música negra internacional no carnaval baiano deste ano. A saída do trio está programada para às 18h30, marcando o encerramento da programação do Carnaval Pipoca da Secretaria de Cultura no Circuito Osmar (Campo Grande).
fonte: nosso carnaval
Nesta terça-feira, o músico americano-baiano Arto Lindsay e Ilê Aiyê promovem o encontro da guitarra elétrica com a percussão afro em cima do trio. O desfile terá como convidados a atriz e cantora carioca Thalma de Freitas, integrante da Orquestra Imperial, e o norte-americano Amayo (foto), vocalista da Antibalas Afrobeat Orchestra, considerada pela crítica especializada um dos melhores grupos de Afrobeat de Nova Iorque.Amayo é o grande destaque da música negra internacional no carnaval baiano deste ano. A saída do trio está programada para às 18h30, marcando o encerramento da programação do Carnaval Pipoca da Secretaria de Cultura no Circuito Osmar (Campo Grande).
fonte: nosso carnaval
O que é que o kuduro tem?
O que é que o kuduro tem?
Conheça o ritmo angolano que faz sucesso no carnaval de Salvador
Da redação (iG)
Não há como permanecer sério quando se ouve a palavra pela primeira vez: kuduro. Esse é o nome do ritmo angolano que está bombando no carnaval de Salvador. Artistas como Daniela Mercury, Margareth Menezes, Carlinhos Brown, Psirico e Ivete Sangalo já atualizaram seus repertórios com a batida frenética. O grupo soteropolitano Fantasmão até compôs uma música, no ritmo, com letra que tenta explicá-lo. Mas, afinal, o que é o kuduro?
Kuduro é uma mistura de semba, um ritmo angolano tradicional, com batidas eletrônicas. O semba, aliás, é velho conhecido dos brasileiros, pois ele é também o ancestral do samba. Talvez por isso o sucesso do ritmo não só em Salvador, mas também no Rio de Janeiro, cidades onde já existem grupos que cantam na cadência do kuduro. Já o nome “kuduro” pode ser uma referência ao principal passo desta dança: a contração das nádegas. “O kuduro tem tudo a ver com o axé. Os dois tem a mesma levada, e se baseiam muito no som da percussão”, afirma o cantor angolano Dog Murras.
Ele veio ao Brasil pela primeira vez há cinco anos e, desde então, tem se empenhado em promover o intercâmbio entre as músicas brasileira e angolana. Em angola, o kuduro é cantado em português, com algumas expressões em kimbundo, uma das línguas locais. No Brasil, Dog Murras fez parceria com Márcio Victor, vocalista do Psirico, e Carlinhos Brown, gravando a canção “Semba Muloji”, que fez sucesso nas rádios de Luanda no ano passado. Os três planejam a gravação de um CD/DVD chamado “Angobahiá”, que incluirá não só o kuduro mas ritmos como kazukuta, semba, axé e samba reggae, com o objetivo de resgatar as origens africanas da música brasileira preservadas na Bahia.
link original
Conheça o ritmo angolano que faz sucesso no carnaval de Salvador
Da redação (iG)
Não há como permanecer sério quando se ouve a palavra pela primeira vez: kuduro. Esse é o nome do ritmo angolano que está bombando no carnaval de Salvador. Artistas como Daniela Mercury, Margareth Menezes, Carlinhos Brown, Psirico e Ivete Sangalo já atualizaram seus repertórios com a batida frenética. O grupo soteropolitano Fantasmão até compôs uma música, no ritmo, com letra que tenta explicá-lo. Mas, afinal, o que é o kuduro?
Kuduro é uma mistura de semba, um ritmo angolano tradicional, com batidas eletrônicas. O semba, aliás, é velho conhecido dos brasileiros, pois ele é também o ancestral do samba. Talvez por isso o sucesso do ritmo não só em Salvador, mas também no Rio de Janeiro, cidades onde já existem grupos que cantam na cadência do kuduro. Já o nome “kuduro” pode ser uma referência ao principal passo desta dança: a contração das nádegas. “O kuduro tem tudo a ver com o axé. Os dois tem a mesma levada, e se baseiam muito no som da percussão”, afirma o cantor angolano Dog Murras.
Ele veio ao Brasil pela primeira vez há cinco anos e, desde então, tem se empenhado em promover o intercâmbio entre as músicas brasileira e angolana. Em angola, o kuduro é cantado em português, com algumas expressões em kimbundo, uma das línguas locais. No Brasil, Dog Murras fez parceria com Márcio Victor, vocalista do Psirico, e Carlinhos Brown, gravando a canção “Semba Muloji”, que fez sucesso nas rádios de Luanda no ano passado. Os três planejam a gravação de um CD/DVD chamado “Angobahiá”, que incluirá não só o kuduro mas ritmos como kazukuta, semba, axé e samba reggae, com o objetivo de resgatar as origens africanas da música brasileira preservadas na Bahia.
link original
12/11/2008
Festa dia 21
Rádio África leva seu som para o Pelourinho
Na semana da Consciência Negra a rádio Educadora FM dá continuidade ao projeto “Educadora FM no Pelô – Se é Bom a Gente Toca” com o programa Rádio África. O evento acontece na próxima sexta-feira (21/11) a partir das 19h, na praça Tereza Batista, no Pelourinho, com a discotecagem dos dj’s do programa que será transmitido ao vivo, direto da praça.
André Stangl, Lucio Magano, Álvaro Panafricano, Robertinho Barreto e Sankofa farão o som da festa que também contará com intervenções dos vj’s do Coletivo MOTE. Os video jockeys prometem uma seleção de imagens que remetem à cultura, tradição e o cotidiano da África. “Vamos levar através das músicas e das imagens um olhar diferente da África que vive de maneira criativa a tradição e a modernidade”, diz DJ Robertinho Barreto, que é também produtor do programa. Comidas típicas e estandes com representantes da Casa da Nigéria também serão atração do evento.
O Rádio África aproveita a festa para comemorar seu primeiro aniversário. Exatamente em novembro de 2007 o programa foi ao ar pela primeira vez. Apesar da pouca idade, não lhe faltam motivos para orgulhar-se de sua carreira que tem como missão trazer para os seus ouvintes o que há de melhor na música da Mãe África. “Somos o único programa no Brasil que toca exclusivamente música africana mostrando todas as suas intercessões com a música do mundo”, arremata Barreto. O programa é responsável por fazer ouvir-se numa FM artistas como Salif Keita, Bonga, Mirian Makeda e Fela Kuti, criador do tão disseminado Afrobeat no Brasil.
O projeto “Educadora FM no Pelô – Se é Bom a Gente Toca” é uma parceria entre a rádio Educadora FM 107.5 e o Pelourinho Cultural. Em dezembro é a vez do “Encontro com Chorinho” levar toda a sua harmonia sonora para a Tereza Batista.
Na semana da Consciência Negra a rádio Educadora FM dá continuidade ao projeto “Educadora FM no Pelô – Se é Bom a Gente Toca” com o programa Rádio África. O evento acontece na próxima sexta-feira (21/11) a partir das 19h, na praça Tereza Batista, no Pelourinho, com a discotecagem dos dj’s do programa que será transmitido ao vivo, direto da praça.
André Stangl, Lucio Magano, Álvaro Panafricano, Robertinho Barreto e Sankofa farão o som da festa que também contará com intervenções dos vj’s do Coletivo MOTE. Os video jockeys prometem uma seleção de imagens que remetem à cultura, tradição e o cotidiano da África. “Vamos levar através das músicas e das imagens um olhar diferente da África que vive de maneira criativa a tradição e a modernidade”, diz DJ Robertinho Barreto, que é também produtor do programa. Comidas típicas e estandes com representantes da Casa da Nigéria também serão atração do evento.
O Rádio África aproveita a festa para comemorar seu primeiro aniversário. Exatamente em novembro de 2007 o programa foi ao ar pela primeira vez. Apesar da pouca idade, não lhe faltam motivos para orgulhar-se de sua carreira que tem como missão trazer para os seus ouvintes o que há de melhor na música da Mãe África. “Somos o único programa no Brasil que toca exclusivamente música africana mostrando todas as suas intercessões com a música do mundo”, arremata Barreto. O programa é responsável por fazer ouvir-se numa FM artistas como Salif Keita, Bonga, Mirian Makeda e Fela Kuti, criador do tão disseminado Afrobeat no Brasil.
O projeto “Educadora FM no Pelô – Se é Bom a Gente Toca” é uma parceria entre a rádio Educadora FM 107.5 e o Pelourinho Cultural. Em dezembro é a vez do “Encontro com Chorinho” levar toda a sua harmonia sonora para a Tereza Batista.
Miriam Makeba (1932-2008)
Morre na Itália a cantora sul-africana Miriam Makeba
A cantora sul-africana Miriam Makeba, 76, conhecida em todo o mundo como Mama África e famosa no Brasil pela música "Pata Pata", morreu na madrugada desta segunda-feira (10) em conseqüência de uma parada cardíaca depois de ter participado em um concerto a favor do escritor Roberto Saviano, ameaçado de morte pela máfia, na região de Nápoles.
A cantora Miriam morreu após participar de show em homenagem ao escritor Roberto Saviano, ameaçado pela máfia
A cantora morreu após participar de show em homenagem ao escritor Roberto Saviano
Voz lendária do continente africano e um símbolo da luta contra o regime do apartheid, Miriam Makeba passou mal depois de ter cantado por 30 minutos em um show dedicado ao jovem autor do livro "Gomorra" em Castel Volturno.
"Foi a última a sair do palco, depois de outros cantores. Houve um bis e neste momento alguém perguntou se havia algum médico entre o público. Miriam Makeba havia desmaiado e estava no chão", afirma um fotógrafo da agência France Presse presente ao evento.
Levada rapidamente para uma clínica de Castel Volturno, ela morreu em conseqüência de uma parada cardíaca.
Mais de mil pessoas compareceram ao concerto antimáfia, em uma área considerada um reduto da Camorra, a máfia napolitana, onde seis imigrantes africanos e um italiano foram assassinados em setembro passado em circunstâncias não esclarecidas.
Em "Gomorra", Roberto Saviano submerge o leitor no império da Camorra. O livro, traduzido para 40 idiomas, foi adaptado para o cinema e recebeu o prêmio do júri no último festival de Cannes e foi escolhido para representar a Itália no Oscar.
Miriam Makeba nasceu em 4 de março de 1932 em Johannesburgo. Ela começou a cantar nos anos 1950 com o grupo Manhattan Brothers e, em 1956, compôs "Pata, Pata", canção que seria seu maior sucesso.
A cantora viu seu país mudar com a chegada ao poder, em 1947, dos nacionalistas africaners. Aos 27 anos deixou a África do Sul pela carreira e teve a entrada proibida no país pelo compromisso com a luta antiapartheid, incluindo a participação no filme "Come Back, Africa".
O exílio durou 31 anos, em diversos países. A cantora fazia muito sucesso, mas seu casamento em 1969 com o líder dos Panteras Negras Stokely Carmichael, do qual se separou em 1973, não agradou as autoridades americanas, que a forçaram a emigrar para Guiné.
Depois da morte da filha única em 1985, voltou a viver na Europa, mas em 1990 Nelson Mandela a convenceu a retornar para a África do Sul.
Folha de São Paulo - 10/11/2008
da France Presse, em Roma
A cantora sul-africana Miriam Makeba, 76, conhecida em todo o mundo como Mama África e famosa no Brasil pela música "Pata Pata", morreu na madrugada desta segunda-feira (10) em conseqüência de uma parada cardíaca depois de ter participado em um concerto a favor do escritor Roberto Saviano, ameaçado de morte pela máfia, na região de Nápoles.
A cantora Miriam morreu após participar de show em homenagem ao escritor Roberto Saviano, ameaçado pela máfia
A cantora morreu após participar de show em homenagem ao escritor Roberto Saviano
Voz lendária do continente africano e um símbolo da luta contra o regime do apartheid, Miriam Makeba passou mal depois de ter cantado por 30 minutos em um show dedicado ao jovem autor do livro "Gomorra" em Castel Volturno.
"Foi a última a sair do palco, depois de outros cantores. Houve um bis e neste momento alguém perguntou se havia algum médico entre o público. Miriam Makeba havia desmaiado e estava no chão", afirma um fotógrafo da agência France Presse presente ao evento.
Levada rapidamente para uma clínica de Castel Volturno, ela morreu em conseqüência de uma parada cardíaca.
Mais de mil pessoas compareceram ao concerto antimáfia, em uma área considerada um reduto da Camorra, a máfia napolitana, onde seis imigrantes africanos e um italiano foram assassinados em setembro passado em circunstâncias não esclarecidas.
Em "Gomorra", Roberto Saviano submerge o leitor no império da Camorra. O livro, traduzido para 40 idiomas, foi adaptado para o cinema e recebeu o prêmio do júri no último festival de Cannes e foi escolhido para representar a Itália no Oscar.
Miriam Makeba nasceu em 4 de março de 1932 em Johannesburgo. Ela começou a cantar nos anos 1950 com o grupo Manhattan Brothers e, em 1956, compôs "Pata, Pata", canção que seria seu maior sucesso.
A cantora viu seu país mudar com a chegada ao poder, em 1947, dos nacionalistas africaners. Aos 27 anos deixou a África do Sul pela carreira e teve a entrada proibida no país pelo compromisso com a luta antiapartheid, incluindo a participação no filme "Come Back, Africa".
O exílio durou 31 anos, em diversos países. A cantora fazia muito sucesso, mas seu casamento em 1969 com o líder dos Panteras Negras Stokely Carmichael, do qual se separou em 1973, não agradou as autoridades americanas, que a forçaram a emigrar para Guiné.
Depois da morte da filha única em 1985, voltou a viver na Europa, mas em 1990 Nelson Mandela a convenceu a retornar para a África do Sul.
Folha de São Paulo - 10/11/2008
da France Presse, em Roma
13/08/2008
Seun Kuti
Filho de Fela Kuti revê afrobeat
O músico nigeriano Seun Kuti retoma o gênero criado pelo pai em seu CD de estréia, "Many Things"
Disco é parceria com a Egypt 80, "big band" que tocou com Fela nos anos 80 e 90; Seun teve ajuda de Barack Obama para tocar nos EUA
BRUNA BITTENCOURT
COLABORAÇÃO PARA A FOLHA
"Eu sou totalmente influenciado pela música do meu pai", diz o nigeriano Seun Kuti. E é difícil não lembrar de Fela Kuti, um dos maiores músicos africanos -se não o maior-, ao ouvir o álbum de estréia de Seun, "Many Things".
O músico herdou do pai as letras de cunho político, o afrobeat (uma fusão entre jazz, funk e ritmos africanos criada por Fela nos anos 60), que percorre o disco, além da banda que o acompanhou na década de 80 e no começo dos anos 90.
Desde a morte do pai, vítima da Aids em 1997, Seun, 26, lidera a Egypt 80, uma das mais reverenciadas bandas em atividade, que bebe na tradição das "big bands", com um entrosamento de mais de 20 anos.
Doze dos 16 membros do grupo tocavam com Fela em shows diários no clube do músico, o Shrine, em Lagos (Nigéria).
Seun (pronuncia-se Shehoun) era uma espécie de mascote da banda, com a qual viajava, dançava e cantava desde os oito anos de idade. "Eu nunca quis ser o homem de frente da Egypt, mas depois da morte do meu pai, pensei: "E se eu continuar a tocar com ela?"."
Acompanhado pela banda, Seun canta letras sobre corrupção, descaso das autoridades e doenças, como em "African Problems" e "Mosquito Song".
Há em seu jeito de cantar uma visível influência do rap. O inglês, que escolheu para cantar suas faixas e que não esconde seu forte sotaque nigeriano, é herança do período em que estudou música na Inglaterra, assim como o pai nos anos 60.
Mas Seun não é o único músico da família: Femi Kuti, também bastante influenciado pelo afrobeat, tocou no Brasil na última edição do festival Free Jazz Festival, em 2000.
Barack Obama
Antes da turnê européia com a qual segue atualmente, Seun passou pelos EUA. O músico e sua banda só obtiveram o visto depois de uma intervenção de Barack Obama, fã de Seun.
O país tem hoje uma série de bandas influenciadas pelo afrobeat, como Nomo, Budos Band ou Antibalas, que reforçam a revitalização que Seun faz do gênero. "Eu gosto do que eles estão fazendo porque mostra que o gênero está crescendo", diz. "Já tinha cansado de ouvir as pessoas dizerem que o afrobeat era uma coisa antiga."
MANY THINGS
Artista: Seun Kuti & Fela's Egypt 80
Gravadora: Disorient
Quanto: US$ 14,99 (R$ 24,19; mais taxas) na Amazon (www.amazon.com)
Fonte: Folha de São Paulo, segunda-feira, 11 de agosto de 2008
O músico nigeriano Seun Kuti retoma o gênero criado pelo pai em seu CD de estréia, "Many Things"
Disco é parceria com a Egypt 80, "big band" que tocou com Fela nos anos 80 e 90; Seun teve ajuda de Barack Obama para tocar nos EUA
BRUNA BITTENCOURT
COLABORAÇÃO PARA A FOLHA
"Eu sou totalmente influenciado pela música do meu pai", diz o nigeriano Seun Kuti. E é difícil não lembrar de Fela Kuti, um dos maiores músicos africanos -se não o maior-, ao ouvir o álbum de estréia de Seun, "Many Things".
O músico herdou do pai as letras de cunho político, o afrobeat (uma fusão entre jazz, funk e ritmos africanos criada por Fela nos anos 60), que percorre o disco, além da banda que o acompanhou na década de 80 e no começo dos anos 90.
Desde a morte do pai, vítima da Aids em 1997, Seun, 26, lidera a Egypt 80, uma das mais reverenciadas bandas em atividade, que bebe na tradição das "big bands", com um entrosamento de mais de 20 anos.
Doze dos 16 membros do grupo tocavam com Fela em shows diários no clube do músico, o Shrine, em Lagos (Nigéria).
Seun (pronuncia-se Shehoun) era uma espécie de mascote da banda, com a qual viajava, dançava e cantava desde os oito anos de idade. "Eu nunca quis ser o homem de frente da Egypt, mas depois da morte do meu pai, pensei: "E se eu continuar a tocar com ela?"."
Acompanhado pela banda, Seun canta letras sobre corrupção, descaso das autoridades e doenças, como em "African Problems" e "Mosquito Song".
Há em seu jeito de cantar uma visível influência do rap. O inglês, que escolheu para cantar suas faixas e que não esconde seu forte sotaque nigeriano, é herança do período em que estudou música na Inglaterra, assim como o pai nos anos 60.
Mas Seun não é o único músico da família: Femi Kuti, também bastante influenciado pelo afrobeat, tocou no Brasil na última edição do festival Free Jazz Festival, em 2000.
Barack Obama
Antes da turnê européia com a qual segue atualmente, Seun passou pelos EUA. O músico e sua banda só obtiveram o visto depois de uma intervenção de Barack Obama, fã de Seun.
O país tem hoje uma série de bandas influenciadas pelo afrobeat, como Nomo, Budos Band ou Antibalas, que reforçam a revitalização que Seun faz do gênero. "Eu gosto do que eles estão fazendo porque mostra que o gênero está crescendo", diz. "Já tinha cansado de ouvir as pessoas dizerem que o afrobeat era uma coisa antiga."
MANY THINGS
Artista: Seun Kuti & Fela's Egypt 80
Gravadora: Disorient
Quanto: US$ 14,99 (R$ 24,19; mais taxas) na Amazon (www.amazon.com)
Fonte: Folha de São Paulo, segunda-feira, 11 de agosto de 2008
Nneka
Cantora nigeriana radicada na Alemanha lança segundo disco, "No Longer at Ease", e arrebanha críticas elogiosas ao fundir ritmos como funk, afrobeat, hip hop, jazz e soul
ADRIANA FERREIRA SILVA
EDITORA DO GUIA DA FOLHA
Nneka é bela e tem uma belíssima voz. Seu marcante acento e sua rebelde cabeleira, penteada em estilo black power, revelam suas origens africanas, declaradas também em letras e rimas. Rimas essas que versam ainda sobre as mais íntimas aflições da moça, embaladas por reggae, rap, jazz, funk, trip hop, soul.
Com tudo isso, dá para entender porque publicações como o jornal inglês "Sunday Times" e os franceses "La Marseillaise" e "Libération", entre outros, a apresentam como "a nova Lauryn Hill".
A comparação faz sentido, e a diva americana e sua extinta banda, o Fugees, são, declaradamente, uma de suas referências. Mas Nneka Egbuna tem personalidade e atitude de sobra para ser mais do que apenas uma sucessora de "miss Hill". E se a aposta dos críticos estiver correta, seu primeiro disco, "Victim of Truth" (2005), teria sido um "best-seller global" se lançado em Nova York.
Se a estréia impressionou, em "No Longer at Ease", álbum que saiu neste ano no exterior (leia crítica nesta página), Nneka aprimora suas influências e, pela primeira vez, é ouvida pelo grande público.
Foi graças a ele que as pessoas descobriram o CD anterior. E é também por ele que seu nome figura no line-up de festivais europeus ou abrindo para artistas como Sean Paul e a dupla Gnarls Barkley.
Mas Nneka parece passar ao largo das apostas e comparações. "As pessoas têm necessidade de relacionar um artista ao outro. A mídia precisa disso. Eu não", disse a cantora à Folha em entrevista realizada por telefone.
"De certa forma, é um prazer ser comparada a Lauryn Hill, porque ela é alguém que, definitivamente, tem algo a dizer. Você sente e ouve isso em suas letras", fala Nneka.
"Na verdade, ela é grande demais para ser comparada ao que estou fazendo."
Histórias
Nascida em Warri, a "cidade do petróleo", na Nigéria, Nneka, 27, tem muito a contar. Atualmente, ela trafega entre a terra natal, onde mora seu pai, e Hamburgo, na Alemanha, para onde se mudou aos oito anos, por motivos sobre os quais ela pouco fala. "Nunca foi minha intenção vir para cá [Hamburgo]. Tive problemas pessoais e, por coincidência, estava na Alemanha na época, mas sou mais africana do que européia."
Formada em antropologia, Nneka canta desde sempre, mas, só nos últimos três anos transformou seu hobby em profissão. "Nunca tive chance de fazer música. Minha família não tem nada a ver com a música. Meu pai é um arquiteto que se tornou fazendeiro. Sobre minha mãe [que é alemã], sei pouco. Não cresci com ela", conta.
"Escrevia sempre que sentia saudades da Nigéria. Quando estava sozinha. Era uma terapia para lutar contra a tristeza."
Além de sentimentos pessoais, suas letras tratam de problemas sociais e políticos da África e, segundo ela, refletem mais ou menos sua experiência de vida. "O que acontece ao meu redor e as pessoas com as quais convivo são minha grande inspiração", descreve.
Neste ponto, a influência do conterrâneo Fela Kuti, o criador do afrobeat, se sobrepõe à do hip hop norte-americano ou à do reggae jamaicano, dois ritmos marcantes no diversificado estilo de Nneka. "Fela Kuti é uma grande inspiração para todos os nigerianos. Ele e sua luta pela democracia e pela liberdade artística", diz. "Fela é o rei do afrobeat; um dos pais da música africana. Ele era capaz de exprimir as vontades do povo."
Diversidade
Ainda que a Nigéria seja o principal tema das canções de Nneka, e suas ruas o cenário de seus clipes -todos disponíveis no YouTube-, ela concorda que jamais teria feito um disco como "No Longer at Ease", ou mesmo "Victim of Truth", se estivesse morando na África.
"Se não tivesse saído de lá, jamais teria tido a chance de viver por mim mesma e de ver certas coisas", acredita. Além disso, Nneka não teria conhecido o DJ alemão Farhot, que delineou a sonoridade de seus dois álbuns -o segundo teve ainda a participação do produtor francês Jean Lamoot, conhecido por trabalhos com Salif Keita e Noir Desir.
Em ambos, Nneka se reveza rimando e cantando num estilo muito próprio. "Se tivesse que colocar em uma categoria, o primeiro disco é hip hop, afro hip hop e soul", afirma. "Já "No Longer at Ease" não sei como definir. É um CD repleto de diversidade e, ao mesmo tempo, muito pessoal. Fala de temas que me tocam muito seriamente. Diria que é louco."
E é por essa diversidade, certa dose de loucura e originalidade, que Nneka deve dar o que falar daqui para a frente.
Frases
"É um prazer ser comparada a Lauryn Hill, porque ela é alguém que tem algo a dizer. Você sente e ouve isso em suas letras"
"Escrevia sempre que sentia saudades da Nigéria. Era uma terapia contra a tristeza" NNEKA, cantora
ISSO É NNEKA
AFROBEAT
Fela Kuti, o criador do afrobeat -ritmo que mistura jazz, funk e ritmos africanos-, influenciou artistas do mundo inteiro, e, especialmente, os de seu país, onde é praticamente um mito. Segundo Nneka, suas letras e posições políticas inspiraram a liberdade artística e de expressão de todos os nigerianos
RITMOS JAMAICANOS
Bob Marley, King Tubby, Lee Perry e outros bambas da música jamaicana também estão presentes na sonoridade da cantora, que passeia pelo reggae e o ragga com igual desenvoltura
NINA SIMONE
Além da atitude política, Nneka herdou da cantora norte-americana o perfil camaleônico; como Nina Simone, é quase impossível encaixar a nigeriana e um estilo
HIP HOP
O hip hop norte-americano é a referência mais marcante no som da cantora. Destacam-se a mistura de jazz, rap, r&b e reggae que marca o som do The Fugees -segundo Nneka, a primeira banda de rap que ouviu- e o jazz rap da extinta dupla Black Star, formada pelos MCs Mos Def e Talib Kweli.
LAURYN HILL
Ainda que recuse a comparação, Nneka tem tudo para ser a nova Lauryn Hill. Como ela, tem personalidade, atitude e tanto suas letras, quanto a sonoridade de suas músicas, passam pelas mesmas influências da diva norte-americana
TRIP HOP
A mistura de downtempo, jazz, funk, soul, rap e breakbeats criada por bandas britânicas como Massive Attack e Portishead também perpassa o som de Nneka -ainda que ela não reconheça essa relação
Crítica
Com várias referências, CD impressiona
DO GUIA DA FOLHA
Nneka é a síntese dos estilos musicais espalhados pelo mundo pela diáspora africana, e o melhor exemplo de como africanos e afro-descendentes têm muito em comum. O pensamento político delineado por seu conterrâneo Fela Kuti é grande influência para suas letras, que, no entanto, encontram no formato do rap norte-americano a melhor forma de expressão.
Foi ouvindo artistas como Fugees, Mos Def e Talib Kweli que Nneka conheceu o hip hop dos EUA, e a mistura de rap, r&b, soul e jazz feita por eles é marcante na sonoridade da cantora nigeriana.
Essa referência se destaca, principalmente, em canções como "Death" ou "Come with Me", cuja letra discorre sobre as agruras do povo que vive em sua cidade, Warri, região petrolífera que é alvo da exploração de grandes companhias.
Mas essa relação aparece como uma, entre muitas, e é preciso ouvir Nneka como algo novo e original. Impressiona a maneira como a nigeriana passa do soul ao reggae com igual desenvoltura, às vezes numa mesma música. Ou como, de repente, se torna uma legítima intérprete de música pop africana, evocando ritmos locais como em "From Africa 2 U".
É por isso que "No Longer at Ease" transcende gêneros: é rap, soul, funk, reggae, afrobeat (basicamente, black music).
Merecem ser destacadas a parceria com o DJ alemão Farhot e o produtor francês Jean Lamoot, que duplicam a voz da cantora com efeitos contundentes, como no hit "Heartbeat", na qual as palavras soam com a batida de um coração.
Nneka nega o rótulo trip hop -rebatiza o estilo como afro hip hop- denominação, que, aliás, faz todo o sentido. (AFS)
NO LONGER AT EASE
Artista: Nneka
Gravadora: Four Music
Quanto: R$ 40 (em média; site www.amazon.de)
Onde ouvir: www.myspace.com/nnekaworld
Avaliação: ótimo
Fonte: Folha de São Paulo, segunda-feira, 11 de agosto de 2008
ADRIANA FERREIRA SILVA
EDITORA DO GUIA DA FOLHA
Nneka é bela e tem uma belíssima voz. Seu marcante acento e sua rebelde cabeleira, penteada em estilo black power, revelam suas origens africanas, declaradas também em letras e rimas. Rimas essas que versam ainda sobre as mais íntimas aflições da moça, embaladas por reggae, rap, jazz, funk, trip hop, soul.
Com tudo isso, dá para entender porque publicações como o jornal inglês "Sunday Times" e os franceses "La Marseillaise" e "Libération", entre outros, a apresentam como "a nova Lauryn Hill".
A comparação faz sentido, e a diva americana e sua extinta banda, o Fugees, são, declaradamente, uma de suas referências. Mas Nneka Egbuna tem personalidade e atitude de sobra para ser mais do que apenas uma sucessora de "miss Hill". E se a aposta dos críticos estiver correta, seu primeiro disco, "Victim of Truth" (2005), teria sido um "best-seller global" se lançado em Nova York.
Se a estréia impressionou, em "No Longer at Ease", álbum que saiu neste ano no exterior (leia crítica nesta página), Nneka aprimora suas influências e, pela primeira vez, é ouvida pelo grande público.
Foi graças a ele que as pessoas descobriram o CD anterior. E é também por ele que seu nome figura no line-up de festivais europeus ou abrindo para artistas como Sean Paul e a dupla Gnarls Barkley.
Mas Nneka parece passar ao largo das apostas e comparações. "As pessoas têm necessidade de relacionar um artista ao outro. A mídia precisa disso. Eu não", disse a cantora à Folha em entrevista realizada por telefone.
"De certa forma, é um prazer ser comparada a Lauryn Hill, porque ela é alguém que, definitivamente, tem algo a dizer. Você sente e ouve isso em suas letras", fala Nneka.
"Na verdade, ela é grande demais para ser comparada ao que estou fazendo."
Histórias
Nascida em Warri, a "cidade do petróleo", na Nigéria, Nneka, 27, tem muito a contar. Atualmente, ela trafega entre a terra natal, onde mora seu pai, e Hamburgo, na Alemanha, para onde se mudou aos oito anos, por motivos sobre os quais ela pouco fala. "Nunca foi minha intenção vir para cá [Hamburgo]. Tive problemas pessoais e, por coincidência, estava na Alemanha na época, mas sou mais africana do que européia."
Formada em antropologia, Nneka canta desde sempre, mas, só nos últimos três anos transformou seu hobby em profissão. "Nunca tive chance de fazer música. Minha família não tem nada a ver com a música. Meu pai é um arquiteto que se tornou fazendeiro. Sobre minha mãe [que é alemã], sei pouco. Não cresci com ela", conta.
"Escrevia sempre que sentia saudades da Nigéria. Quando estava sozinha. Era uma terapia para lutar contra a tristeza."
Além de sentimentos pessoais, suas letras tratam de problemas sociais e políticos da África e, segundo ela, refletem mais ou menos sua experiência de vida. "O que acontece ao meu redor e as pessoas com as quais convivo são minha grande inspiração", descreve.
Neste ponto, a influência do conterrâneo Fela Kuti, o criador do afrobeat, se sobrepõe à do hip hop norte-americano ou à do reggae jamaicano, dois ritmos marcantes no diversificado estilo de Nneka. "Fela Kuti é uma grande inspiração para todos os nigerianos. Ele e sua luta pela democracia e pela liberdade artística", diz. "Fela é o rei do afrobeat; um dos pais da música africana. Ele era capaz de exprimir as vontades do povo."
Diversidade
Ainda que a Nigéria seja o principal tema das canções de Nneka, e suas ruas o cenário de seus clipes -todos disponíveis no YouTube-, ela concorda que jamais teria feito um disco como "No Longer at Ease", ou mesmo "Victim of Truth", se estivesse morando na África.
"Se não tivesse saído de lá, jamais teria tido a chance de viver por mim mesma e de ver certas coisas", acredita. Além disso, Nneka não teria conhecido o DJ alemão Farhot, que delineou a sonoridade de seus dois álbuns -o segundo teve ainda a participação do produtor francês Jean Lamoot, conhecido por trabalhos com Salif Keita e Noir Desir.
Em ambos, Nneka se reveza rimando e cantando num estilo muito próprio. "Se tivesse que colocar em uma categoria, o primeiro disco é hip hop, afro hip hop e soul", afirma. "Já "No Longer at Ease" não sei como definir. É um CD repleto de diversidade e, ao mesmo tempo, muito pessoal. Fala de temas que me tocam muito seriamente. Diria que é louco."
E é por essa diversidade, certa dose de loucura e originalidade, que Nneka deve dar o que falar daqui para a frente.
Frases
"É um prazer ser comparada a Lauryn Hill, porque ela é alguém que tem algo a dizer. Você sente e ouve isso em suas letras"
"Escrevia sempre que sentia saudades da Nigéria. Era uma terapia contra a tristeza" NNEKA, cantora
ISSO É NNEKA
AFROBEAT
Fela Kuti, o criador do afrobeat -ritmo que mistura jazz, funk e ritmos africanos-, influenciou artistas do mundo inteiro, e, especialmente, os de seu país, onde é praticamente um mito. Segundo Nneka, suas letras e posições políticas inspiraram a liberdade artística e de expressão de todos os nigerianos
RITMOS JAMAICANOS
Bob Marley, King Tubby, Lee Perry e outros bambas da música jamaicana também estão presentes na sonoridade da cantora, que passeia pelo reggae e o ragga com igual desenvoltura
NINA SIMONE
Além da atitude política, Nneka herdou da cantora norte-americana o perfil camaleônico; como Nina Simone, é quase impossível encaixar a nigeriana e um estilo
HIP HOP
O hip hop norte-americano é a referência mais marcante no som da cantora. Destacam-se a mistura de jazz, rap, r&b e reggae que marca o som do The Fugees -segundo Nneka, a primeira banda de rap que ouviu- e o jazz rap da extinta dupla Black Star, formada pelos MCs Mos Def e Talib Kweli.
LAURYN HILL
Ainda que recuse a comparação, Nneka tem tudo para ser a nova Lauryn Hill. Como ela, tem personalidade, atitude e tanto suas letras, quanto a sonoridade de suas músicas, passam pelas mesmas influências da diva norte-americana
TRIP HOP
A mistura de downtempo, jazz, funk, soul, rap e breakbeats criada por bandas britânicas como Massive Attack e Portishead também perpassa o som de Nneka -ainda que ela não reconheça essa relação
Crítica
Com várias referências, CD impressiona
DO GUIA DA FOLHA
Nneka é a síntese dos estilos musicais espalhados pelo mundo pela diáspora africana, e o melhor exemplo de como africanos e afro-descendentes têm muito em comum. O pensamento político delineado por seu conterrâneo Fela Kuti é grande influência para suas letras, que, no entanto, encontram no formato do rap norte-americano a melhor forma de expressão.
Foi ouvindo artistas como Fugees, Mos Def e Talib Kweli que Nneka conheceu o hip hop dos EUA, e a mistura de rap, r&b, soul e jazz feita por eles é marcante na sonoridade da cantora nigeriana.
Essa referência se destaca, principalmente, em canções como "Death" ou "Come with Me", cuja letra discorre sobre as agruras do povo que vive em sua cidade, Warri, região petrolífera que é alvo da exploração de grandes companhias.
Mas essa relação aparece como uma, entre muitas, e é preciso ouvir Nneka como algo novo e original. Impressiona a maneira como a nigeriana passa do soul ao reggae com igual desenvoltura, às vezes numa mesma música. Ou como, de repente, se torna uma legítima intérprete de música pop africana, evocando ritmos locais como em "From Africa 2 U".
É por isso que "No Longer at Ease" transcende gêneros: é rap, soul, funk, reggae, afrobeat (basicamente, black music).
Merecem ser destacadas a parceria com o DJ alemão Farhot e o produtor francês Jean Lamoot, que duplicam a voz da cantora com efeitos contundentes, como no hit "Heartbeat", na qual as palavras soam com a batida de um coração.
Nneka nega o rótulo trip hop -rebatiza o estilo como afro hip hop- denominação, que, aliás, faz todo o sentido. (AFS)
NO LONGER AT EASE
Artista: Nneka
Gravadora: Four Music
Quanto: R$ 40 (em média; site www.amazon.de)
Onde ouvir: www.myspace.com/nnekaworld
Avaliação: ótimo
Fonte: Folha de São Paulo, segunda-feira, 11 de agosto de 2008
04/04/2008
03/04/2008
UM CHOQUE DE CULTURAS AO SOM DOS TAM-TAMS
Por Hermano Vianna e Jean-Yves de Neufville (Bizz - 04/1987)
Em meio à evolução tecnológica mundial, inúmeras bandas africanas estão segurando firme o cipó que as leva do mato ao computador, sem escalas. Hermano Viana e Jean-Yves de Neufville entraram nessa selva, sobreviveram e contam tudo.
Coitadinho do rock inglês! A imprensa brasileira já decretou: chegou a hora da "onda black". Do dia para a noite (ou vice-versa), todo mundo passou a "adorar" hip hop, merengue e companhia. A mudança foi radical, saudada até com gritos de independência. Os darks perderam repentinamente seu mistério e seu charme. Não são mais novidade, nem notícia. Agora, faz mais sucesso um belo bronzeado, um rebolado sensual, qualquer música "caliente". As roupas pretas e os discos do Joy Division devem ser aposentados. Sem arrependimentos.
Mais um modismo? É claro que sim. As modas são absolutamente necessárias. Elas dão novo colorido ao espírito do tempo, afugentando o tédio e a poeira dos velhos uniformes. Mas tudo é superficial, sem maiores compromissos. Dá, passa e é bom enquanto dura. Só os tolos podem querer mais: são eles que levam o modismo a sério e acabam não percebendo que embarcaram numa canoa furada. Um final melancólico. Que o digam os hippies velhos.
A quantidade de "eventos culturais", publicações e programas de rádio que estão se dando bem em cima da "música negra" é espantosa. O oportunismo reina em todas as frentes. As gravadoras também entraram na dança e prometem pacotes e pacotes de discos afro-caribenhos (a mesma coisa que fizeram com a sombria "vanguarda inglesa"). Festa à vista! Nada contra. O Brasil começa finalmente a estreitar suas relações musicais com a África elétrica. Tem som para todos os gostos. O continente negro é generoso em matéria de novos ritmos e novas danças. E os novos músicos africanos (e caribenhos) parecem ter sido atacados pela mais criativa das epidemias antropofágicas: todas as fusões, todo o arsenal pop, todos os instrumentos eletrônicos estão sendo testados na procura do ritmo perfeito. Pelo que á está dando pra escutar, eles não estão longe de atingir esse objetivo. Mas um tato é certo: a melhor música ainda vem por aí. Por isso é bom se preparar.
As primeiras notícias sobre o novo pop africano chegaram por aqui no final dos anos 70. Gilberto Gil foi tocar na Nigéria em 77 e voltou para o Brasil falando maravilhas do afro-heat, da juju music e do highlife. Júlio Barroso, também em 77, escreveu um longo artigo para o Jornal de Música dando uma geral na moderna música africana, do Senegal a Madagascar. No rádio, o programa mais eclético que os cariocas já ouviram, não por acaso chamado de Geléia Geral e apresentado por Ana Maria Bahiana), mostrava em primeira mão discos de FeIa Kuti e amigos. Não estou falando essas coisas para demonstrar erudição pop. E só para lembrar que o Brasil já tinha as informações básicas sobre o pop africano muito antes que os jornais ingleses e norte-americanos começassem a divulgar esse tipo de música como a "next big thing". Isto é, muito antes da moda.
A "moda" teve sua pré-história em 81, quando a lsland, a gravadora que divulgou o reggae internacionalmente, lançou na Inglaterra e nos EUA o disco Sound dŽAfrique, uma coletânea de bandas originárias de países de colonização francesa, como o Zaire e o Senegal. Era um teste de mercado, Se desse certo, vários artistas africanos iam ter a chance de tentar a sorte no primeiro mundo. A IsIand procurava um sucessor para Bob Marley, um músico ou estilo musical que pudesse garantir os lucros que o reggae tinha dado na década passada. A coletânea Sound dŽAfrique só fez sucesso entre os iniciados. Mas os elogios da crítica internacional foram suficientes para novas contratações. Tudo feito com a maior lentidão possível. Tanto que King Sunny Adé só foi lançar seu primeiro disco com a lsland no final de 82.
O "rei" Sunny Adé não precisava da carreira norte-americana e européia para sobreviver. Seu sucesso no primeiro mundo seria apenas uma extensão da carreira milionária que já estava bem fundamentada em quase todo o continente africano. A África não é um mercado qualquer, só a juju music, o estilo a que Adé está afiliado, vende anualmente cerca de 12 milhões de discos, sem contar as gravações piratas. Esses números não devem causar surpresas. O pop africano não é uma música primitiva, mas sim uma poderosa indústria que já tem décadas de existência. Seu mercado não depende de nenhuma ajuda externa para continuar produzindo os discos de ouro.
Apesar da auto-suficiência, os músicos africanos sempre estiveram dispostos a conquistar ouvintes em outros continentes. Alguns deles quase conseguiram atingir o estrelato. A sul-africana Miriam Makeba fez o mundo inteiro) dançar o "Pata Pata" na década de 60. Manu Dibango compôs "SouI Makossa", uma das melhores músicas dos anos 70. As outras centenas de músicos nunca conseguiram seduzir os ouvidos dos donos das multinacionais de discos. Mesmo assim, permaneceram em estado de ebulição. Toda a informação pop (soul, funk, disco, reggae) foi rapidamente digerida e as novas tecnologias de gravação estão se implantando por toda a África. E, cada vez mais, os músicos africanos estão tendo acesso aos melhores estúdios internacionais (via gravadoras independentes) para darem continuidade às suas experiências polirrítmicas. Vale a pena ficar atento aos resultados.
Pra começar: falar em música africana é sempre uma simplificação. O que existe são musicas africanas, dos mais variados estilos e procedências, que muitas vezes não têm nada a ver urnas com as outras. Os primeiros indícios de uma África pop apareceram nas décadas de 40/50, quando o continente negro foi bombardeado pelo mambo, pela rumba e pelo calipso, obrigando os músicos locais a imitarem o estilo de seus ídolos caribenhos (é uma besteira, hoje em dia, tentar encontrar a música africana pura, isso nunca existiu). O calipso, em Gana, acabou produzindo um outro estilo, o highlife, que imediatamente virou febre em vários outros países africanos. O ganense E.T. Mensha, o rei do highlife no começo dos anos 60, teve que passar o cetro para o nigeriano Victor Uwaifo, que por sua vez teve que render homenagens ao Prince Nico Mbarga, de Camarões, autor do LP Sweet Mother (lançado em 76), talvez o disco "made in Africa" mais vendido até hoje. Mas podemos encontrar a influência do highlife até na música contemporânea do Zimbabwe.
O nigeriano FeIa Kuti foi, no início de sua carreira, um comportado líder de uma banda de highlife. Mas, depois dos anos que morou nos EUA (onde teve contato com os Panteras Negras), ele acabou inventando seu próprio estilo musical, muito mais pesado e "militante", o afro-beat. O público nigeriano já conhecia o soul através da música de Geraldo Pino, uma encarnação africana de James Brown, com mais percussão. Fela aprendeu a lição de Pino (que cantava músicas como "I'm a Black Man, I Was Born to Be Free") e radicalizou sua proposta política, se dizendo várias vezes candidato à presidência da Nigéria ou simplesmente se intitulando Black President.
Fela dá tudo por uma polêmica. Ao mesmo tempo em que construiu sua imagem de líder político com tendências esquerdizantes, ele defende ardorosamente a poligamia já teve 27 esposas). Engraçado? Exótico? E preciso esquecer essas histórias para poder julgar "objetivamente" a música de Fela. Impossível resistir: a tempestade de ritmos iorubás coexiste com a metaleira funk e guitarras, à la James Brown. As músicas duram todo o lado de um LP (às vezes os dois lados). Esqueça a objetividade: a música de Fela é pura hipnose.
Também nigeriana, também iorubá, a juju music tem pouca coisa a ver com o afro-beat. Os instrumentos que comandam as bandas de juju são os talk drums. Em cima de suas variações rítmicas, as guitarras (incluindo uma guitarra havaiana), os sintetizadores e as vozes (nunca os metais) vão construindo sutilíssimas teias harmônicas e melódicas. No afro-beat o que importa é o peso e o ataque dos arranjos instrumentais; na juju, o que importa é a leveza e a elegância.
A moderna juju music se aproxima cada vez mais do funk, utilizando baterias eletrônicas, sintetizadores e outros apetrechos hip hop (os grandes inovadores: King Sunny Adé e Ebenezer Obey). Mas existe um estilo musical derivado da juju, conhecido como fuji, que anda incendiando as noites de Lagos. Fuji é juju resumido ao básico: só percussão e voz (geralmente muçulmanas). Dizem que a dança fuji é muito parecida com o fricote baiano.
Deixando a Nigéria, e seguindo para o norte da Africa, vamos encontrar os estilos musicais derivados das músicas dos griots, tradicionais "cantadores" da etnia mandinga. Os griots recebiam hereditariamente seus ensinamentos musicais, inclusive o manejo da kora, uma harpa de 21 cordas. Hoje, músicos do Mali e do Senegal utilizam essas informações tradicionais mixadas com os vários estilos do pop internacional. A banda senegalesa Touré Kunda, que está de excursão marcada para o Brasil, mistura highlife, reggae e funk, mas nunca se esquece de convidar Mory Kanté, o maior exemplo de um griot pós-moderno, para tocar kora em seus discos. Depois de passar anos gravando para a CelIuloid (tendo sido produzido até por Bill Laswell), o Touré Kunda acaba de assinar com a RCA francesa, por onde lançou seu último álbum, Toubab Bi.
Também influenciado pela tradição dos griots, o senegalês Youssou N'Dour é a estreia ascendente do pop africano no cenário internacional. Como Fela. Youssou também inventou seu próprio estilo musical, o mbalax. Característica principal: a utilização dos tambores tama (não confundir com a marca de bateria), que têm uma sonoridade reconhecível à distância. Youssou toca com a banda Super-Etoile de Dacar, com quem já lançou pelo menos dois discos imprescindíveis. O primeiro se chama Immigrés e foi lançado pela Celluloid. O segundo é o LP Nelson Mandela, eleito como o melhor disco africano de 86 pelos críticos do NME. Mais uma informação importante: Youssou N'Dour está atualmente abrindo a excursão norte-americana de Peter Gabriel. O garoto tem futuro.
Continuando nosso safári musical, vamos agora para o coração da Africa, mais precisamente para Kinshasa, a capital do Zaire e a capital do soukous. Kin, como a cidade é conhecida pelos íntimos, tem um bairro chamado Matonge, o ponto nevrálgico da vida noturna da Africa central. O Matonge é um território privilegiado para os que querem fazer a "ambiance", isto é, errar de boate em boate, dançando aqui e ali, escutando a melhor musica, se divertindo como nunca. No Matonge reina O soukous (o estilo musical predominante em países como Zaire. Congo. Gabão. Quênia), uma palavra que, como o zouk das Antilhas Francesas, designa, Além da música, uma maneira de se divertir, de festejar, de aproveitar a vida.
A música soukous é também conhecida como rumba zairense. Sua história é antiga. Talvez tenha nascido há 25 anos, quando Tabu Ley Rochereau, o senhor do soukous, lançou seu primeiro grande sucesso (Tabu Ley, até hoje, já cravou mais de 150 discos!). A principal característica do soukous é a utilização de várias guitarras (até cinco, as vezes), com afinações diferentes e Solos supermelódicos. Nada pode ser melhor para dançar. Escute qualquer disco de Franco. Papa Wemba ou Pablo Porthos. Ou, então, pegue um avião para Kinshasa e se acabe num show de Emeneya Bubiala, o novo ídolo do Matonge.
Vamos mais para o sul? O jive sul-africano, ou mbaqanga, é provavelmente o estilo do pop africano mais conhecido pelo público "ocidental", pois foi devidamente "apropriado" por Malcolm McLaren - no LP Duck Rock - e por Paul Simon - no LP Graceland. É a música mais "convencional" das descritas até agora: geralmente, baixo, guitarra e bateria, que produzem um saltitante ritmo 8/8. A influência básica é mesmo o rhythm and blues, readaptado pelos zulus para atender às exigências - devidamente urbanizadas - de seus complexos arranjos vocais. Quem fez o melhor uso do jive? Simon ou McLaren? Forme sua própria opinião escutando a coletânea Time Indestructible Beat of Soweto, lançada pelo selo Earthworks. Ou mude complemente de praia e vá "descansar" na Etiópia, escutando o "jazz" árabe-indonésio de Mahmoud Ahmed. Ou, então, entre com o pé direito no mundo árabe, através do Oran, Argélia, com a cabeça cheia do Rui de Cheb Khaled ou Cheb Mami. Ainda estamos na Africa. E a oferta ainda é variada.
Pena que sejam poucas as fontes de informação sobre todas essas músicas. São poucos os discos acessíveis (mesmo na Europa) são poucos os ouvintes "interessados". Os ritmos da África cruzaram o Atlântico, se mesclaram com as melodias européias, deram origem ao rock, ao samba, ao calipso, ao funk, ao reggae. E essas músicas já fizeram o caminho de volta à África, como o zouk à la Kassav' (que é a última sensação) do continente africano, imitado por músicos de todos os países. A próxima "travessia do Atlântico" é iminente. E, dessa vez, nada de navios negreiros. A moda, agora, é música africana? Não há o que temer. Só nos resta aproveitar a onda black, Até a próxima ditadura dark.
O sistema destrutivo da moda
Desde o ano passado, estamos assistindo a uma campanha intensiva dos meios de comunicação empenhados em demonstrar que, de repente, como se tivessem caído do céu, trazidos por ventos alíseos fora de rota, os ritmos africanos estariam revolucionando a música ocidental...
É bom sentar e relaxar. Na fria Europa branca, vá lá. A invasão dos tam-tams negros está trazendo, desde a virada dos anos 80, um sangue novo na velha tradição polifônica que já esgotou faz tempo todas as variantes possíveis de associações de notas numa partitura. Mas... nos Estados Unidos? E no Caribe? E, mais ainda, no Brasil?! Vamos Ter de contar outra vez toda a história dos escravos negros trazidos quatro séculos atrás? Vamos ter de explicar de novo que todas as bases das músicas populares do mundo ocidental que surgiram no decorrer do século XX foram edificadas por mãos negras, do blues ao soul, do funk ao samba, do gospel ao reggae, e que TUDO começou com uma pele puxada sobre uma caixa de ressonância? Se isto for uma moda, então a própria existência da música não passa de uma moda passageira... o que pode ser um ponto de vista. Mas ainda sou daqueles que acham que nem tudo é relativo e que existem assuntos complexos demais para serem carimbados como simples modas. Uma moda, a música africana? Dê uma olhada nos tradicionais desfiles das escolas de samba ou nas cerimônias de candomblé. Se você não se convenceu, escute os primeiros discos de Jorge Ben ou Gilberto Gil, e pergunte a eles se acham que a Africa é uma moda.
Vamos falar a sério. A música africana não esperou por David Byrne, Brian Eno, Stewart Copeland, Peter Gabriel ou Paul Simon para influenciar profundamente a música deste século. O que há de novo, isso sim, é que muitos grupos oriundos do Caribe e vários países africanos estão tendo acesso aos fantásticos progressos tecnológicos oferecidos pelos estúdios ocidentais. Este acesso proporciona experiências fascinantes como a associação do primitivo com o moderno, a eletrificação de uma música tribal e sua sofisticação com os efeitos e os sintetizadores.
Os colonizadores colonizados
A circulação rápida das idéias e de todos os estilos musicais via satélite está aproximando os continentes. No caso da música africana, duas cidades têm um papel fundamental no, suo difusão: Paris e Londres. Essas capitais, de onde partiram outrora tantos exércitos colonizadores, são hoje focos de difusão intensivos para inúmeros grupos africanos. Na origem, duas grandes fontes difusoras: a Radio France Internationale (RFI) e a British Broad-casting Corporation (BBC). A RFI, irradiando a partir de Paris, oferece uma programação variada e equilibrada, dando grande destaque à música africana moderna, o que permite sua propagação por todo aquele continente e incentiva os hits pan-a-fricanos. Essa rádio ainda possui um dos arquivos mais completos e atualizados de música africana. Toda noite, o disc-jóquei GilIes - hoje muito famoso na Africa - apresenta um programa de grande sucesso chamado Canal Tropical. Ainda na capital francesa inúmeros grupos africanos e caribenhos conseguem uma boa infra-estrutura promocional e têm acesso a vários estúdios.
A Inglaterra é um caso um pouco diferente. O maior foco difusor de musica pop do mundo reserva uma parte pequena - porém não desprezível - à música africana moderna. Na década de 70, existia apenas uma loja em Londres, na origem especializada em vender material elétrico. Com uma particularidade: num canto da loja, havia prateleiras carregadas de discos diferentes - em pouco tempo, a Stern's ficou conhecida como o único lugar onde era possível encontrar os mais recentes lançamentos de música africana. Esta combinação, pelo menos original, terminou em 1982, quando os primeiros donos da loja se retiraram. Foram-se lâmpadas, fiações e eletrodomésticos, entrou uma nova equipe para cuidar da maior seleção de discos de música africana que se possa encontrar na Europa. Além disso, a Stern's iniciou sua própria produção. A partir de 1983, foram lançados 14 álbuns sob o selo independente Stern's Africa, estrelados por alguns dos mais conceituadas artistas daquele continente: Ebenezer Obey (Nigéria), Tabu Ley (Zaire), os African Brothers (Gana), MŽBilia Bel (Zaire), Segun Adewale (Nigéria) e bandas radicadas na Inglaterra como Hi-Life International e Somo Somo. Nesse catálogo, uma verdadeira pérola: o reggae hipnótico de Alpha Blondv, da Costa do Marfim. O diretor da Stern's, Robert Urbanus, esteve no Brasil em fevereiro deste ano e desenvolveu contatos junto às gravadoras. "O andamento das negociações é bastante promissor", assegurou Urbanus. Tudo indica que assistiremos aos lançamentos nacionais deste catálogo riquíssimo ainda este ano.
Caribe: a África do outro lado do mar
Quase todo o pop africano atual tem influências diretas dos ritmos caribenhos, principalmente aqueles que, como a rumba e o calipso, foram transformados em modismos internacionais, via gravadoras norte-americanas, entre as décadas de 30 e 50. Mas a música do Caribe não estacionou nesse "momento de glória". Os ritmos de Trindad e Tobago, República Dominicana, Cuba, Porto Rico, Antilhas Francesas e Jamaica não cessam de se modernizar, interferindo agressivamente no cenário pop do resto do mundo.
O reggae foi a primeira surpresa. Nos precários estúdios jamaicanos surgiram técnicas de gravação de discos, incluindo o dub, que hoje são conhecidas e utilizadas por qualquer produtor que se preze. Mas foi o final dos anos 70 que uma maré eletrônica tomou conta das ilhas caribenhas. Nessa época, apareceu a soca, em Trinidad, e o zouk, na Martinica e em Guadalupe.
Soca é a abreviação de soul-calipso. O nome já diz tudo. O calipso, que desde o século passando domina o carnaval de Trinidad, foi submetido a um tratamento soul, acelerando o ritmo, incluindo um baixo funk, ferozes solos de guitarra, sintetizadores e metais. As inovações foram recebidas com euforia pelos dançarinos locais e todos os músicos aderiram. Nomes importantes: Might Sparrow, que grava desde 1955, Arrow, Lord Nelson e David Rudder.
O zouk é uma invenção da banda Kassav', que esteve se apresentando no brasil em fevereiro. Trata-se da modernização da cadence (música das Antilhas Francesas derivada do infernal merengue dominicano, tendo como intermediário o leve compasso, do Haiti), com pitadas de beguine, quadrilha e uma overdose eletro-funk. Crucial para o desenvolvimento do zouk foi o trabalhodo produtor Didier Lozahic, dando um radicaliasmo sonoro aos últimos discos do Kassav', que a banda ainda não consegue reproduzir ao vivo.
No mais, outras surpresas estão sendo aprontadas hoje pelas charangas cubanas e pelas bandas de merengue de São Domingos. Quem pode prever o que está vindo por aí?
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O Soukous encontra suas raízes nas bandas de rumba dos anos quarenta. Associa harmonias suaves, ritmos frenéticos e guitarras melódicas. Tabu Ley, Somo Somo.
A Juju é notável pela ampla utilização dos talking drums (tambores falantes), guitarras maciças (inclusive distorcidas) e vocais dialogados. Ebenezer Obey, Segun Adewale.
A Highlife é uma música dançante que dá muita ênfase aos naipes. African Brothers Band, Hi-Life International
Na origem, os Griots eram os músicos dos reis do antigo império do Mali. Hoje é um estilo que valoriza as percissões e o uso do balafon e do kora nos trabalhos mais ligados à tradição. Toure Kunda, Youssou N'Dour.
Afro Beat: a mais completa e eletrificada das músicas africanas, criada por Fela Kuti. Se baseia em percussões sincopadas, polirrítmicas com inclusão de funk.
Em meio à evolução tecnológica mundial, inúmeras bandas africanas estão segurando firme o cipó que as leva do mato ao computador, sem escalas. Hermano Viana e Jean-Yves de Neufville entraram nessa selva, sobreviveram e contam tudo.
Coitadinho do rock inglês! A imprensa brasileira já decretou: chegou a hora da "onda black". Do dia para a noite (ou vice-versa), todo mundo passou a "adorar" hip hop, merengue e companhia. A mudança foi radical, saudada até com gritos de independência. Os darks perderam repentinamente seu mistério e seu charme. Não são mais novidade, nem notícia. Agora, faz mais sucesso um belo bronzeado, um rebolado sensual, qualquer música "caliente". As roupas pretas e os discos do Joy Division devem ser aposentados. Sem arrependimentos.
Mais um modismo? É claro que sim. As modas são absolutamente necessárias. Elas dão novo colorido ao espírito do tempo, afugentando o tédio e a poeira dos velhos uniformes. Mas tudo é superficial, sem maiores compromissos. Dá, passa e é bom enquanto dura. Só os tolos podem querer mais: são eles que levam o modismo a sério e acabam não percebendo que embarcaram numa canoa furada. Um final melancólico. Que o digam os hippies velhos.
A quantidade de "eventos culturais", publicações e programas de rádio que estão se dando bem em cima da "música negra" é espantosa. O oportunismo reina em todas as frentes. As gravadoras também entraram na dança e prometem pacotes e pacotes de discos afro-caribenhos (a mesma coisa que fizeram com a sombria "vanguarda inglesa"). Festa à vista! Nada contra. O Brasil começa finalmente a estreitar suas relações musicais com a África elétrica. Tem som para todos os gostos. O continente negro é generoso em matéria de novos ritmos e novas danças. E os novos músicos africanos (e caribenhos) parecem ter sido atacados pela mais criativa das epidemias antropofágicas: todas as fusões, todo o arsenal pop, todos os instrumentos eletrônicos estão sendo testados na procura do ritmo perfeito. Pelo que á está dando pra escutar, eles não estão longe de atingir esse objetivo. Mas um tato é certo: a melhor música ainda vem por aí. Por isso é bom se preparar.
As primeiras notícias sobre o novo pop africano chegaram por aqui no final dos anos 70. Gilberto Gil foi tocar na Nigéria em 77 e voltou para o Brasil falando maravilhas do afro-heat, da juju music e do highlife. Júlio Barroso, também em 77, escreveu um longo artigo para o Jornal de Música dando uma geral na moderna música africana, do Senegal a Madagascar. No rádio, o programa mais eclético que os cariocas já ouviram, não por acaso chamado de Geléia Geral e apresentado por Ana Maria Bahiana), mostrava em primeira mão discos de FeIa Kuti e amigos. Não estou falando essas coisas para demonstrar erudição pop. E só para lembrar que o Brasil já tinha as informações básicas sobre o pop africano muito antes que os jornais ingleses e norte-americanos começassem a divulgar esse tipo de música como a "next big thing". Isto é, muito antes da moda.
A "moda" teve sua pré-história em 81, quando a lsland, a gravadora que divulgou o reggae internacionalmente, lançou na Inglaterra e nos EUA o disco Sound dŽAfrique, uma coletânea de bandas originárias de países de colonização francesa, como o Zaire e o Senegal. Era um teste de mercado, Se desse certo, vários artistas africanos iam ter a chance de tentar a sorte no primeiro mundo. A IsIand procurava um sucessor para Bob Marley, um músico ou estilo musical que pudesse garantir os lucros que o reggae tinha dado na década passada. A coletânea Sound dŽAfrique só fez sucesso entre os iniciados. Mas os elogios da crítica internacional foram suficientes para novas contratações. Tudo feito com a maior lentidão possível. Tanto que King Sunny Adé só foi lançar seu primeiro disco com a lsland no final de 82.
O "rei" Sunny Adé não precisava da carreira norte-americana e européia para sobreviver. Seu sucesso no primeiro mundo seria apenas uma extensão da carreira milionária que já estava bem fundamentada em quase todo o continente africano. A África não é um mercado qualquer, só a juju music, o estilo a que Adé está afiliado, vende anualmente cerca de 12 milhões de discos, sem contar as gravações piratas. Esses números não devem causar surpresas. O pop africano não é uma música primitiva, mas sim uma poderosa indústria que já tem décadas de existência. Seu mercado não depende de nenhuma ajuda externa para continuar produzindo os discos de ouro.
Apesar da auto-suficiência, os músicos africanos sempre estiveram dispostos a conquistar ouvintes em outros continentes. Alguns deles quase conseguiram atingir o estrelato. A sul-africana Miriam Makeba fez o mundo inteiro) dançar o "Pata Pata" na década de 60. Manu Dibango compôs "SouI Makossa", uma das melhores músicas dos anos 70. As outras centenas de músicos nunca conseguiram seduzir os ouvidos dos donos das multinacionais de discos. Mesmo assim, permaneceram em estado de ebulição. Toda a informação pop (soul, funk, disco, reggae) foi rapidamente digerida e as novas tecnologias de gravação estão se implantando por toda a África. E, cada vez mais, os músicos africanos estão tendo acesso aos melhores estúdios internacionais (via gravadoras independentes) para darem continuidade às suas experiências polirrítmicas. Vale a pena ficar atento aos resultados.
Pra começar: falar em música africana é sempre uma simplificação. O que existe são musicas africanas, dos mais variados estilos e procedências, que muitas vezes não têm nada a ver urnas com as outras. Os primeiros indícios de uma África pop apareceram nas décadas de 40/50, quando o continente negro foi bombardeado pelo mambo, pela rumba e pelo calipso, obrigando os músicos locais a imitarem o estilo de seus ídolos caribenhos (é uma besteira, hoje em dia, tentar encontrar a música africana pura, isso nunca existiu). O calipso, em Gana, acabou produzindo um outro estilo, o highlife, que imediatamente virou febre em vários outros países africanos. O ganense E.T. Mensha, o rei do highlife no começo dos anos 60, teve que passar o cetro para o nigeriano Victor Uwaifo, que por sua vez teve que render homenagens ao Prince Nico Mbarga, de Camarões, autor do LP Sweet Mother (lançado em 76), talvez o disco "made in Africa" mais vendido até hoje. Mas podemos encontrar a influência do highlife até na música contemporânea do Zimbabwe.
O nigeriano FeIa Kuti foi, no início de sua carreira, um comportado líder de uma banda de highlife. Mas, depois dos anos que morou nos EUA (onde teve contato com os Panteras Negras), ele acabou inventando seu próprio estilo musical, muito mais pesado e "militante", o afro-beat. O público nigeriano já conhecia o soul através da música de Geraldo Pino, uma encarnação africana de James Brown, com mais percussão. Fela aprendeu a lição de Pino (que cantava músicas como "I'm a Black Man, I Was Born to Be Free") e radicalizou sua proposta política, se dizendo várias vezes candidato à presidência da Nigéria ou simplesmente se intitulando Black President.
Fela dá tudo por uma polêmica. Ao mesmo tempo em que construiu sua imagem de líder político com tendências esquerdizantes, ele defende ardorosamente a poligamia já teve 27 esposas). Engraçado? Exótico? E preciso esquecer essas histórias para poder julgar "objetivamente" a música de Fela. Impossível resistir: a tempestade de ritmos iorubás coexiste com a metaleira funk e guitarras, à la James Brown. As músicas duram todo o lado de um LP (às vezes os dois lados). Esqueça a objetividade: a música de Fela é pura hipnose.
Também nigeriana, também iorubá, a juju music tem pouca coisa a ver com o afro-beat. Os instrumentos que comandam as bandas de juju são os talk drums. Em cima de suas variações rítmicas, as guitarras (incluindo uma guitarra havaiana), os sintetizadores e as vozes (nunca os metais) vão construindo sutilíssimas teias harmônicas e melódicas. No afro-beat o que importa é o peso e o ataque dos arranjos instrumentais; na juju, o que importa é a leveza e a elegância.
A moderna juju music se aproxima cada vez mais do funk, utilizando baterias eletrônicas, sintetizadores e outros apetrechos hip hop (os grandes inovadores: King Sunny Adé e Ebenezer Obey). Mas existe um estilo musical derivado da juju, conhecido como fuji, que anda incendiando as noites de Lagos. Fuji é juju resumido ao básico: só percussão e voz (geralmente muçulmanas). Dizem que a dança fuji é muito parecida com o fricote baiano.
Deixando a Nigéria, e seguindo para o norte da Africa, vamos encontrar os estilos musicais derivados das músicas dos griots, tradicionais "cantadores" da etnia mandinga. Os griots recebiam hereditariamente seus ensinamentos musicais, inclusive o manejo da kora, uma harpa de 21 cordas. Hoje, músicos do Mali e do Senegal utilizam essas informações tradicionais mixadas com os vários estilos do pop internacional. A banda senegalesa Touré Kunda, que está de excursão marcada para o Brasil, mistura highlife, reggae e funk, mas nunca se esquece de convidar Mory Kanté, o maior exemplo de um griot pós-moderno, para tocar kora em seus discos. Depois de passar anos gravando para a CelIuloid (tendo sido produzido até por Bill Laswell), o Touré Kunda acaba de assinar com a RCA francesa, por onde lançou seu último álbum, Toubab Bi.
Também influenciado pela tradição dos griots, o senegalês Youssou N'Dour é a estreia ascendente do pop africano no cenário internacional. Como Fela. Youssou também inventou seu próprio estilo musical, o mbalax. Característica principal: a utilização dos tambores tama (não confundir com a marca de bateria), que têm uma sonoridade reconhecível à distância. Youssou toca com a banda Super-Etoile de Dacar, com quem já lançou pelo menos dois discos imprescindíveis. O primeiro se chama Immigrés e foi lançado pela Celluloid. O segundo é o LP Nelson Mandela, eleito como o melhor disco africano de 86 pelos críticos do NME. Mais uma informação importante: Youssou N'Dour está atualmente abrindo a excursão norte-americana de Peter Gabriel. O garoto tem futuro.
Continuando nosso safári musical, vamos agora para o coração da Africa, mais precisamente para Kinshasa, a capital do Zaire e a capital do soukous. Kin, como a cidade é conhecida pelos íntimos, tem um bairro chamado Matonge, o ponto nevrálgico da vida noturna da Africa central. O Matonge é um território privilegiado para os que querem fazer a "ambiance", isto é, errar de boate em boate, dançando aqui e ali, escutando a melhor musica, se divertindo como nunca. No Matonge reina O soukous (o estilo musical predominante em países como Zaire. Congo. Gabão. Quênia), uma palavra que, como o zouk das Antilhas Francesas, designa, Além da música, uma maneira de se divertir, de festejar, de aproveitar a vida.
A música soukous é também conhecida como rumba zairense. Sua história é antiga. Talvez tenha nascido há 25 anos, quando Tabu Ley Rochereau, o senhor do soukous, lançou seu primeiro grande sucesso (Tabu Ley, até hoje, já cravou mais de 150 discos!). A principal característica do soukous é a utilização de várias guitarras (até cinco, as vezes), com afinações diferentes e Solos supermelódicos. Nada pode ser melhor para dançar. Escute qualquer disco de Franco. Papa Wemba ou Pablo Porthos. Ou, então, pegue um avião para Kinshasa e se acabe num show de Emeneya Bubiala, o novo ídolo do Matonge.
Vamos mais para o sul? O jive sul-africano, ou mbaqanga, é provavelmente o estilo do pop africano mais conhecido pelo público "ocidental", pois foi devidamente "apropriado" por Malcolm McLaren - no LP Duck Rock - e por Paul Simon - no LP Graceland. É a música mais "convencional" das descritas até agora: geralmente, baixo, guitarra e bateria, que produzem um saltitante ritmo 8/8. A influência básica é mesmo o rhythm and blues, readaptado pelos zulus para atender às exigências - devidamente urbanizadas - de seus complexos arranjos vocais. Quem fez o melhor uso do jive? Simon ou McLaren? Forme sua própria opinião escutando a coletânea Time Indestructible Beat of Soweto, lançada pelo selo Earthworks. Ou mude complemente de praia e vá "descansar" na Etiópia, escutando o "jazz" árabe-indonésio de Mahmoud Ahmed. Ou, então, entre com o pé direito no mundo árabe, através do Oran, Argélia, com a cabeça cheia do Rui de Cheb Khaled ou Cheb Mami. Ainda estamos na Africa. E a oferta ainda é variada.
Pena que sejam poucas as fontes de informação sobre todas essas músicas. São poucos os discos acessíveis (mesmo na Europa) são poucos os ouvintes "interessados". Os ritmos da África cruzaram o Atlântico, se mesclaram com as melodias européias, deram origem ao rock, ao samba, ao calipso, ao funk, ao reggae. E essas músicas já fizeram o caminho de volta à África, como o zouk à la Kassav' (que é a última sensação) do continente africano, imitado por músicos de todos os países. A próxima "travessia do Atlântico" é iminente. E, dessa vez, nada de navios negreiros. A moda, agora, é música africana? Não há o que temer. Só nos resta aproveitar a onda black, Até a próxima ditadura dark.
O sistema destrutivo da moda
Desde o ano passado, estamos assistindo a uma campanha intensiva dos meios de comunicação empenhados em demonstrar que, de repente, como se tivessem caído do céu, trazidos por ventos alíseos fora de rota, os ritmos africanos estariam revolucionando a música ocidental...
É bom sentar e relaxar. Na fria Europa branca, vá lá. A invasão dos tam-tams negros está trazendo, desde a virada dos anos 80, um sangue novo na velha tradição polifônica que já esgotou faz tempo todas as variantes possíveis de associações de notas numa partitura. Mas... nos Estados Unidos? E no Caribe? E, mais ainda, no Brasil?! Vamos Ter de contar outra vez toda a história dos escravos negros trazidos quatro séculos atrás? Vamos ter de explicar de novo que todas as bases das músicas populares do mundo ocidental que surgiram no decorrer do século XX foram edificadas por mãos negras, do blues ao soul, do funk ao samba, do gospel ao reggae, e que TUDO começou com uma pele puxada sobre uma caixa de ressonância? Se isto for uma moda, então a própria existência da música não passa de uma moda passageira... o que pode ser um ponto de vista. Mas ainda sou daqueles que acham que nem tudo é relativo e que existem assuntos complexos demais para serem carimbados como simples modas. Uma moda, a música africana? Dê uma olhada nos tradicionais desfiles das escolas de samba ou nas cerimônias de candomblé. Se você não se convenceu, escute os primeiros discos de Jorge Ben ou Gilberto Gil, e pergunte a eles se acham que a Africa é uma moda.
Vamos falar a sério. A música africana não esperou por David Byrne, Brian Eno, Stewart Copeland, Peter Gabriel ou Paul Simon para influenciar profundamente a música deste século. O que há de novo, isso sim, é que muitos grupos oriundos do Caribe e vários países africanos estão tendo acesso aos fantásticos progressos tecnológicos oferecidos pelos estúdios ocidentais. Este acesso proporciona experiências fascinantes como a associação do primitivo com o moderno, a eletrificação de uma música tribal e sua sofisticação com os efeitos e os sintetizadores.
Os colonizadores colonizados
A circulação rápida das idéias e de todos os estilos musicais via satélite está aproximando os continentes. No caso da música africana, duas cidades têm um papel fundamental no, suo difusão: Paris e Londres. Essas capitais, de onde partiram outrora tantos exércitos colonizadores, são hoje focos de difusão intensivos para inúmeros grupos africanos. Na origem, duas grandes fontes difusoras: a Radio France Internationale (RFI) e a British Broad-casting Corporation (BBC). A RFI, irradiando a partir de Paris, oferece uma programação variada e equilibrada, dando grande destaque à música africana moderna, o que permite sua propagação por todo aquele continente e incentiva os hits pan-a-fricanos. Essa rádio ainda possui um dos arquivos mais completos e atualizados de música africana. Toda noite, o disc-jóquei GilIes - hoje muito famoso na Africa - apresenta um programa de grande sucesso chamado Canal Tropical. Ainda na capital francesa inúmeros grupos africanos e caribenhos conseguem uma boa infra-estrutura promocional e têm acesso a vários estúdios.
A Inglaterra é um caso um pouco diferente. O maior foco difusor de musica pop do mundo reserva uma parte pequena - porém não desprezível - à música africana moderna. Na década de 70, existia apenas uma loja em Londres, na origem especializada em vender material elétrico. Com uma particularidade: num canto da loja, havia prateleiras carregadas de discos diferentes - em pouco tempo, a Stern's ficou conhecida como o único lugar onde era possível encontrar os mais recentes lançamentos de música africana. Esta combinação, pelo menos original, terminou em 1982, quando os primeiros donos da loja se retiraram. Foram-se lâmpadas, fiações e eletrodomésticos, entrou uma nova equipe para cuidar da maior seleção de discos de música africana que se possa encontrar na Europa. Além disso, a Stern's iniciou sua própria produção. A partir de 1983, foram lançados 14 álbuns sob o selo independente Stern's Africa, estrelados por alguns dos mais conceituadas artistas daquele continente: Ebenezer Obey (Nigéria), Tabu Ley (Zaire), os African Brothers (Gana), MŽBilia Bel (Zaire), Segun Adewale (Nigéria) e bandas radicadas na Inglaterra como Hi-Life International e Somo Somo. Nesse catálogo, uma verdadeira pérola: o reggae hipnótico de Alpha Blondv, da Costa do Marfim. O diretor da Stern's, Robert Urbanus, esteve no Brasil em fevereiro deste ano e desenvolveu contatos junto às gravadoras. "O andamento das negociações é bastante promissor", assegurou Urbanus. Tudo indica que assistiremos aos lançamentos nacionais deste catálogo riquíssimo ainda este ano.
Caribe: a África do outro lado do mar
Quase todo o pop africano atual tem influências diretas dos ritmos caribenhos, principalmente aqueles que, como a rumba e o calipso, foram transformados em modismos internacionais, via gravadoras norte-americanas, entre as décadas de 30 e 50. Mas a música do Caribe não estacionou nesse "momento de glória". Os ritmos de Trindad e Tobago, República Dominicana, Cuba, Porto Rico, Antilhas Francesas e Jamaica não cessam de se modernizar, interferindo agressivamente no cenário pop do resto do mundo.
O reggae foi a primeira surpresa. Nos precários estúdios jamaicanos surgiram técnicas de gravação de discos, incluindo o dub, que hoje são conhecidas e utilizadas por qualquer produtor que se preze. Mas foi o final dos anos 70 que uma maré eletrônica tomou conta das ilhas caribenhas. Nessa época, apareceu a soca, em Trinidad, e o zouk, na Martinica e em Guadalupe.
Soca é a abreviação de soul-calipso. O nome já diz tudo. O calipso, que desde o século passando domina o carnaval de Trinidad, foi submetido a um tratamento soul, acelerando o ritmo, incluindo um baixo funk, ferozes solos de guitarra, sintetizadores e metais. As inovações foram recebidas com euforia pelos dançarinos locais e todos os músicos aderiram. Nomes importantes: Might Sparrow, que grava desde 1955, Arrow, Lord Nelson e David Rudder.
O zouk é uma invenção da banda Kassav', que esteve se apresentando no brasil em fevereiro. Trata-se da modernização da cadence (música das Antilhas Francesas derivada do infernal merengue dominicano, tendo como intermediário o leve compasso, do Haiti), com pitadas de beguine, quadrilha e uma overdose eletro-funk. Crucial para o desenvolvimento do zouk foi o trabalhodo produtor Didier Lozahic, dando um radicaliasmo sonoro aos últimos discos do Kassav', que a banda ainda não consegue reproduzir ao vivo.
No mais, outras surpresas estão sendo aprontadas hoje pelas charangas cubanas e pelas bandas de merengue de São Domingos. Quem pode prever o que está vindo por aí?
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O Soukous encontra suas raízes nas bandas de rumba dos anos quarenta. Associa harmonias suaves, ritmos frenéticos e guitarras melódicas. Tabu Ley, Somo Somo.
A Juju é notável pela ampla utilização dos talking drums (tambores falantes), guitarras maciças (inclusive distorcidas) e vocais dialogados. Ebenezer Obey, Segun Adewale.
A Highlife é uma música dançante que dá muita ênfase aos naipes. African Brothers Band, Hi-Life International
Na origem, os Griots eram os músicos dos reis do antigo império do Mali. Hoje é um estilo que valoriza as percissões e o uso do balafon e do kora nos trabalhos mais ligados à tradição. Toure Kunda, Youssou N'Dour.
Afro Beat: a mais completa e eletrificada das músicas africanas, criada por Fela Kuti. Se baseia em percussões sincopadas, polirrítmicas com inclusão de funk.
Piratas de todo o mundo, uni-vos!
por Hermano Vianna (Bizz - 01/1989)
Tudo bem. World music é rótulo inventado pelos marketeiros da indústria fonográfica, mas até aí morreu o Neves. Rótulos e mais rótulos são produzidos todos os dias. A maioria desaparece em questão de segundos. Um rótulo só vinga quando entra em sintonia com o espírito de sua época, satisfazendo os misteriosos desejos de um público sempre à cata de novidades.
World music é um fenômeno típico dos anos 80. Como rótulo é um tanto vago. Eu prefiro global pop. É mais claro e preciso, vai direto ao assunto. Porque aqui é o pop que interessa e não qualquer música tradicional criada num cafundó perdido do planeta. Em outras palavras: o "Terceiro Mundo" deixa de estar condenado a repetir eternamente uma fajuta macumba para turistas, classificada e "preservada" como autêntica. Os músicos da periferia - ou seja, fora da Europa e dos Estados Unidos - reivindicam seu direito à modernidade, à eletrônica, ao rock, ao funk, ao diabo a quatro. E não essas experimentações eletroétnicas que, sob a etiqueta de world music, conquistam seu espaço merecido num mercado internacional finalmente menos preconceituoso.
A mixagem cultural não é exatamente algo de novo. O pop primeiro-mundista sempre pirateou as tradições musicais de outros continentes. Albert Goldman, o autor da biografia excomungada do Santo John Lennon, escreveu em 68 um brilhante ensaio chamado A Emergência do Rock, que já continha a seguinte afirmação: "Hoje, o grande ideal cultural está encapsulado na diminuta palavra mix". Para fundamentar sua "profecia", Goldman citava tudo o que o rock pilhou: blues, hillbilly, raga indiana, ritmos africanos, madrigais, cantos gregorianos, música concreta etc. etc. etc. Prova? Você nunca ouviu Sergeant Pepper's?
A pilhagem continuou através dos tempos e continua: Malcolm MacLaren (até que enfim um pirata sem vergonha, que não precisa da máscara "bem-intencionada"), Talking Heads, John Zorn, Mark Kamins... O sampler e o scratch facilitam o roubo cultural, mas a concorrência aumenta. O "Terceiro Mundo" dá o troco. A banda Integrated Circuit criou o reggae filipino. Mahmoud Ahmed é o maior ídolo do jazz-rock etíope. Surachai Sumbatcharon revolucionou o luk tung, a disco music tailandesa. O grupo Pata Negra, do sul espanhol, juntou punk e flamenco. Os filhos dos imigrantes indianos fazem a mixagem bhangra/acidhouse. No Brasil... Bem, essa história você já conhece.
Se o ensaio de Albert Goldman fosse reescrito em 89, talvez, no lugar de mix, deveria ser empregada outra palavra minúscula: zap. Não tem nenhum segredo, zap é a era do controle remoto cultural. Com a maior facilidade, muda-se de "canal" em tudo: comida, música, roupa, estilo de vida. Você pode almoçar num fast-food turco, vestido com roupas japonesas, escutando pop indonésio. Você pode (aconteceu comigo, eu juro) estar viajando do Zaire para a Costa do Marfim num 767 da Air Ethiopia e encontrar, na poltrona ao lado, um jornal do Quênia anunciando concertos de bandas bhangra londrinas ainda desconhecidas pelo mais bem informado jornalista britânico.
Zapear é a maneira mais divertida de destruir as velhas hierarquias artísticas e possibilitar trocas culturais independentes da atuação dos grandes meios de comunicação de massa. Como os casos do hip hop no Rio e em Nova York, do reggae em São Luís e em Kingston, do zouk na Martinica e em toda a África. World music? O rótulo não é tão importante. Basta fazer uma constatação muito simples: já vivemos em um novo planeta.
Tudo bem. World music é rótulo inventado pelos marketeiros da indústria fonográfica, mas até aí morreu o Neves. Rótulos e mais rótulos são produzidos todos os dias. A maioria desaparece em questão de segundos. Um rótulo só vinga quando entra em sintonia com o espírito de sua época, satisfazendo os misteriosos desejos de um público sempre à cata de novidades.
World music é um fenômeno típico dos anos 80. Como rótulo é um tanto vago. Eu prefiro global pop. É mais claro e preciso, vai direto ao assunto. Porque aqui é o pop que interessa e não qualquer música tradicional criada num cafundó perdido do planeta. Em outras palavras: o "Terceiro Mundo" deixa de estar condenado a repetir eternamente uma fajuta macumba para turistas, classificada e "preservada" como autêntica. Os músicos da periferia - ou seja, fora da Europa e dos Estados Unidos - reivindicam seu direito à modernidade, à eletrônica, ao rock, ao funk, ao diabo a quatro. E não essas experimentações eletroétnicas que, sob a etiqueta de world music, conquistam seu espaço merecido num mercado internacional finalmente menos preconceituoso.
A mixagem cultural não é exatamente algo de novo. O pop primeiro-mundista sempre pirateou as tradições musicais de outros continentes. Albert Goldman, o autor da biografia excomungada do Santo John Lennon, escreveu em 68 um brilhante ensaio chamado A Emergência do Rock, que já continha a seguinte afirmação: "Hoje, o grande ideal cultural está encapsulado na diminuta palavra mix". Para fundamentar sua "profecia", Goldman citava tudo o que o rock pilhou: blues, hillbilly, raga indiana, ritmos africanos, madrigais, cantos gregorianos, música concreta etc. etc. etc. Prova? Você nunca ouviu Sergeant Pepper's?
A pilhagem continuou através dos tempos e continua: Malcolm MacLaren (até que enfim um pirata sem vergonha, que não precisa da máscara "bem-intencionada"), Talking Heads, John Zorn, Mark Kamins... O sampler e o scratch facilitam o roubo cultural, mas a concorrência aumenta. O "Terceiro Mundo" dá o troco. A banda Integrated Circuit criou o reggae filipino. Mahmoud Ahmed é o maior ídolo do jazz-rock etíope. Surachai Sumbatcharon revolucionou o luk tung, a disco music tailandesa. O grupo Pata Negra, do sul espanhol, juntou punk e flamenco. Os filhos dos imigrantes indianos fazem a mixagem bhangra/acidhouse. No Brasil... Bem, essa história você já conhece.
Se o ensaio de Albert Goldman fosse reescrito em 89, talvez, no lugar de mix, deveria ser empregada outra palavra minúscula: zap. Não tem nenhum segredo, zap é a era do controle remoto cultural. Com a maior facilidade, muda-se de "canal" em tudo: comida, música, roupa, estilo de vida. Você pode almoçar num fast-food turco, vestido com roupas japonesas, escutando pop indonésio. Você pode (aconteceu comigo, eu juro) estar viajando do Zaire para a Costa do Marfim num 767 da Air Ethiopia e encontrar, na poltrona ao lado, um jornal do Quênia anunciando concertos de bandas bhangra londrinas ainda desconhecidas pelo mais bem informado jornalista britânico.
Zapear é a maneira mais divertida de destruir as velhas hierarquias artísticas e possibilitar trocas culturais independentes da atuação dos grandes meios de comunicação de massa. Como os casos do hip hop no Rio e em Nova York, do reggae em São Luís e em Kingston, do zouk na Martinica e em toda a África. World music? O rótulo não é tão importante. Basta fazer uma constatação muito simples: já vivemos em um novo planeta.
O CALDERÃO EFERVESCENTE DO TERCEIRO MUNDO
por Pepe Escobar (Bizz - 01/1989)
O mapa da música se expande. O boom afro de alguns anos atrás foi acrescido agora de sons vindos da Ásia, do Oriente Médio, da América Latina e da Europa Oriental. O que até agora só merecia os adjetivos "exóticos" ou "folclórico", virou a febre do Primeiro Mundo - toca na rádio, está nas paradas... É o futuro? Ou é apenas mais uma jogada de mercado?
Já há dois mil anos o historiador Plínio, o Velho, escrevia que "sempre há alguma coisa nova vinda da África". No umbral do terceiro milênio, o ocidente branco, afluente e, em teoria, civilizado descobriu finalmente que alguma coisa nova não só vem da África como do Oriente Médio, do Islam, dos Balcãs, da Ásia Oriental, dos confins da América do Sul. Essa é a questão de fundo em torno da world music - um dos rótulos capitais da indústria transnacional da música a partir de 87.
World music é um guarda-chuva de marketing. Significa "música de todo o mundo"? Não. Significa uma acumulação de sons, aos quais os ouvidos do primeiro mundo - teoricamente América do Norte e Europa Ocidental - não estão acostumados. Qualquer ritmo brasileiro, do maracatu ao samba de breque, entra no rótulo world music. Essa estratégia confere às gravadoras internacionais uma capacidade de manipulação conveniente e infinita. O contato com culturas distantes, para o público consumidor hiperafluente da Europa, da América e do Japão, não fica mais reduzido a visitas a museus, livros como The Rest of the Nuba, de Leni Riefenstahl, ou uma voltinha por certos guetos terceiro e quarto-mundistas de Londres, Paris ou Nova York. World music é o melhor golpe de marketing da indústria desde a exploração comercial do punk. Europeus, quando largam seu "ar condicionado" para irem à África, sofrem profundo choque cultural. Reclamam que é sujo, quente, cheira mal e não tem suco de laranja geladinho expremido na hora. Muito melhor ouvir world music no CD do Volvo familiar. Boa parte desse público afluente tem viajado muito em suas cadeiras de design milanês. Até já aprendeu as variações geográficas relacionadas com os diferentes sons - mabaqamga, sungura, soukous, zouk. Exulta com as variações nigerianas entre o high-life, a ju-ju music e o afro-jazz de Fela Khuti. Sabe de cor alguns cantos superpostos à indestrutível batida das townships de Soweto. Compra toda a produção de selos ingleses especializados, como Earthworks, Globestyle e SternŽs.
O possível mercado de massa no ocidente para a música do Islam, do Oriente Médio e do Norte da África (especialmente Marrocos, Argélia e Sudão), foi detectado a partir da agitação em torno dos alaialah da disco-queen iemenita Ofra Haza (chupada por Cold Cut no já famoso remix das feras do gueto Eric B & e Rakim) e encorajado pela paixão de estilistas de salão parisiense pela música rai. Uma das questões iniciais que a indústria se propõs foi a seguinte: como provocar a demanda de massa para as torturadas autolambadas islâmicas de clones de Tom Jones em cima de uma trilha artificial de estúdio?
Já existia uma demanda em escala razoável. Uma prova prática, em Londres, foi a delícia indiscriminada acionada pelos shows dos Bhundu Boys, de Zimbabwe, em 87. Até que enfim as classes médias tinham sua chance de pular, como na desrepressão da era punk. Cenas memoráveis agora eram visíveis em todo concerto afro. Quem fica na frente solta seus membros descoordenados, mexe as nádegas em uma curiosa imitação das esposas de Fela e entra em clímax, como se estivesse em uma cerimônia de pentecostalistas americanos regida pelo gospel. Quem fica atrás veste-se com detalhes étnicos e acompanha as complexas batidas com discretos movimentos dos quadris.
Paris é a capital da world music, seguida de longe por Londres. Músicos africanos pós-segunda Guerra Mundial entraram na cena musical parisiense através do jazz. Durante os anos 50 e 60, estilos de pop africano francófono começaram a chamar a atenção: o makossa, da República dos Camarões, e o soukous, uma dance music do Congo baseada na rumba. Manu Dibango, cujo passaporte original é dos Camarões, estourou em 73 com um sucesso de crossover, "Soul Makossa". A partir daí, a cena musical afro-caribenha de Paris rapidamente ultrapassou a londrina em importância.
Há várias razões. Paris tem uma população considerável de afro-caribenhos - pelo menos 500 mil, incluindo os africanos do norte os clandestinos. Divertem-se com um elã incontrolável na puritana Inglaterra "Deus, Pátria e Trabalho" de Margaret Thatcher. Dezenas de restaurantes variam do extrachic a botecos rumorosos como o Fourou Tora. Nos night-clubs das duas margens do Sena, os "sapeurs" do Zaire, jovens dândis, desfilam suas roupas de designer compradas a peso de couro (não sul-africano) até as cinco da manhã (em Londres os night-clubs fecham no máximo entre duas e três). Nos subúrbios do norte da cidade, salões municipais ficam entupidos nos fins de semana com os shows-bailes de bandas visitantes, diretamente das matrizes afro. E desde o início dos anos 80 surgiram pelo menos 40 pequenas estações de rádio independentes na capital francesa, para atender a diferentes comunidades e grupos de interesse.
O "reconhecimento" europeu traduziu-se no surgimento de hits. O esplêndido álbum de 87 do mestre albino de Mali, Salif Keita (Soro), e o hit single de 88 do quineense (ou seja, natural de Guiné Bissau), Mory Kanté ("Yeke Yeke"), pegaram qualquer desavisado da rua, após uma conveniente cirurgia cosmética de crossover. Com sua voz que corre três oitavas, e com seu "Im Min Alu", produzida nos estúdios de Trevor Horn (o homem que inventou o som do Frankie Goes To Hollywood), Ofra Haza colocou a disco-music iemenita no mapa-múndi. A sensualidade de seus mix e a beleza pessoal desta israelita obliteraram até mesmo suas concorrentes européias no mercado, como a pin-up do balearic beat, Sabrina.
O mix de sons da África francófona, pop europeu e zouk das Antilhas francesas, só poderia provocar uma dance-music exuberante, em contraste com as ameaçadoras e/ou ensurdecedoras batidas do hip-hop e da house music, que dominam a cena noturna londrina. Max Roach, baterista de jazz emérito, já disse que o hip-hop não é música: é um exercício sônico. O mérito principal de disc-jóqueis londrinos e scratchers nova-iorquinos tem sido capturar uma série de ortodoxias étnicas da world music, e confrontá-la com a blasfêmia das beat boxes e osciladores. Vide o trabalho de colagem de Cold Cut.
É muito instrutivo comparar, por exemplo, o mix original de "Yeke Yeke", exuberante, com o remix acid house londrino - obsessivo, megatecnológico. Mory Kanté é um "griot", um músico hereditário do povo mandinga, treinado para cantar sua história oral. É também um mestre da "Kora", um instrumento de 21 cordas de forma fálica, que soa como uma harpa. Mory pegou um canto tradicional do campo - uma mulher que não consegue arar a terra porque seu bebê está chorando - e o transformou em um top 10 hit das paradas européias em 88. O "mistério" está no mix, quando observamos Mory ao vivo. Sua marca registrada é um tenor forte, em contraste com os vocais da garota de sua banda. Como cantor e como músico, de está na mesma classe de Salif Keita e Youssou N'Dour. Não hesita em pilhar a vulgaridade europop, chegando a incitar a platéia a corinhos estilo Abba. Tem uma seção de saxofones extra-radical chic: um francês e uma sueca, vestidos como um par de vikings psicodélicos, mas impecáveis ao atacar riffs em estilo zouk para pontuar as canções de Mory. E atrás, segurando todas, temos dois dos principais músicos de estúdio africanos em Paris: o baixista Willy N'For e o baterista Kuo Joseph.
Brian Eno e David Byrne fizeram um clássico pré-world music em My Life in the Bush 01 Ghosts. Peter Gabriel pesquisa world music desde o início da década e deu todo o impulso possível à exposição de Youssou N'Dour. David Byrne vai a Paris a três por dois para pilhar sons africanos, tanto para os Talking Heads quanto para suas trilhas de cinema, teatro e dança. Philip Glass pilhou todo o globo para construir a trilha sonora de Powaqaatsi, o filme de Godfrey Reggio, seu libelo edulcorado contra o abismo norte-sul planetário (mas o melhor momento da trilha de Glass é uma intervenção solitária de Ali Farka Toureh). Os cantos de Soweto produzem os momentos mais emocionantes de Um Grito de Liberdade, o grito liberal de Richard Attenborough contra o apartheid. Quem nunca ouviu ritmos sul-africanos ou aborígenes teve sua chance na transmissão global via satélite do concerto em homenagem a Nelson Mandela - onde duas das melhores intervenções foram de Youssou NŽDour (Senegal) e Salif Keita (Mali). As prateleiras de supermercados musicais, como a Virgin e a Tower Records, contêm filas intermináveis sob o rótulo world music. E nas paradas encontramos de tudo: folk irlandês, cantos religiosos do Kuwait, tambores de Bali, música cigana da Romênia, cordas da Bulgária, "Jive" de Joanesburgo, dessacralizações do pop japonês e do pop fundamentalista italiano, e uma ofensiva da rai music da Argélia.
O rai é um som de rebeldia juvenil. Seu santuário são os bordéis em torno do porto argelino de Oran, longe dos braços integralistas da elite religiosa dominante. Oran está na costa do Mediterrâneo, perto do Marrocos. O Marrocos tem farta influência espanhola. O rai de fascínio popular surgiu de um berço absolutamente mix: beduíno, espanhol, francês, leste marroquino e "gnaoui" (África do norte negra). Cresceu em uma atmosfera descontraída da Riviera, entre cafés de night-clubs de variadíssimos graus de respeitabilidade. É um som que contém um forte elemento de prazer carnal. Quando estourou no fim dos anos 70, começo dos 80, era o som dos jovens punks locais. Preocupações de rigor: sexo, drogas e carros. Sexo sempre um problema em um Estado islâmico conservador (e socialista). Drogas, só mesmo álcool. E carros, só mesmo os Mazdas dos japoneses, porque Corvettes e Thunderbirds são inencontráveis.
Como diversas variantes da world music, o som começou a aparecer nos megaguetos de Paris, Lion e Marselha. O tam-tam eletrônico foi acionado pelos exércitos de combatentes do tédio em Paris, Londres e Tóquio. Resultado: o Estado islâmico passou a promover seu novo produto de exportação. Rai passou a ser "respeitável". Invejável estatuto para um som de revolta e com mensagens iconoclastas. Rai significa "opinião" em árabe. O refrão standard "ha-ya-rai" vem do início do século, em cantos de pastores beduínos. Funciona como uma espécie de "oh, yeah" do pop ocidental. O trompetista Massaoud Bellemou, nos anos 50, foi o responsável pela formação do "moderno som de Oran". Introduziu seção de metais, acordeão e guitarras elétricas, que terminaram eliminando as tradicionais flautas, minipercussões violinos. Nos anos 60, Bellamou começou a trabalhar com uma jovem vocalista, Chaba Fadela, atenta à evolução do rock'n'roll. Daí surgiu o pop rai, com um hit de Fadela em 79. Todo mundo, depois disso, queria ser rai star - e todos êmulos de ícones ocidentais. Os garotos adicionavam a seus nomes o prefixo "cheb" (garoto). As garotas, "chaba" (garota; que mais?).
Os chebs eram classe operária. Cantavam em casamentos, festas, cabarés e gravavam sua produção em cassetes crus para o mercado em constante expansão. Um produtor, geralmente o dono de uma loja de cassetes, pagava uma ninharia para um cantor e sua banda e gravava ao vivo em estúdio de fundo de quintal, sem ensaio e sem mixagem posterior. No meio dessa anarquia, terminaram aparecendo os Berry Gordy e Phil Spector do rai: os irmãos Rachid e Fethi Ahmed. Tinham uma banda de rock chamada The Vultures nos anos 60. Descobriram que música popular árabe gravada em um estúdio de oito canais poderia ser um grande negócio nos anos 70.
Entre as chabas, a rainha ainda é sem dúvida Fadela, casada e feliz mãe de família. Sua grande rival é a marroquina Chaba Zahouania- proibida pela família de aparecer na capa de seus cassetes, onde é substituída por modelos. O rei do rai, e em breve ídolo pop internacional, é o indiscutível Cheb Khaled. Toma duas garrafas de uísque por dia. O governo já chegou a lhe negar emissão de passaporte. Representa para os argelinos o que George Michael representa para os ingleses (e canta melhor).
Rai vende horrores. Centenas de milhares de cassetes, na Argélia e no oitavo "arrondissement" de Paris - o Goutyte d'Or, convertido em um gigantesco souk. As estrelas do rai cantam não só para milionários bêbados nos cabarés da Argélia como animam concertos de gala nos subúrbios parisienses. O som já está entrando em uma nova fase de luxo. Cheb Khaled, que costumava gravar um disco inteiro por um cachê fixo de oito mil dólares, gravou seu último LP com um produtor francês e, só de estúdio, a conta chegou a 160 mil dólares. O som é dramaticamente disco - imposição para conquista de mercado. O problema é que, para empatar com os gastos, este disco de Khaled precisa vender pelo menos 180 mil cópias, o que não é fácil para um som que só agora está aparecendo no mercado mundial.
Quanto mais variantes da world music sonham com o estouro de massa, mais se afastam de Paris. Os estúdios locais não são tecnicamente tão avançados quanto os de Londres. Gravadoras francesas não têm a mesma experiência de marketing das mega-americanas e inglesas. Aspirantes a superstars, como Youssou, Salif ou Alpha Blondy - o reggae man da Costa do Marfim -, têm de pensar em termos de sucesso na Inglaterra e EUA, mas o rai e outras variantes de world music podem não suportar a ofensiva em busca dos megadólares. Vide o que aconteceu com a Island, em 82. A gravadora não conseguiu vender King Sunny Adé para o público de o massa. Todas as gravadoras se livraram de seus africanos recém-contratados como se fossem uma praga. Com a expansão do mercado sob este abre-te Sésamo - world music - o problema não se repetirá.
Há dúvidas quanto à penetração de camadas de world music no Brasil. Depende do interesse de gravadoras e de se vencer uma série de preconceitos culturais espargidos por medíocres profissionais em seus gabinetinhos burocráticos. Se não acontecer nada, é muito simples: basta pegar um avião, para Paris, a meca dos sons da África e da Ásia, entrar no metrô, descer na estação de Barbés-Roche-chouart, e pronto: bem-vindos à melhor sala de visitas musical do terceiro mundo (e do quarto, e do quinto, e do sexto...).
O mapa da música se expande. O boom afro de alguns anos atrás foi acrescido agora de sons vindos da Ásia, do Oriente Médio, da América Latina e da Europa Oriental. O que até agora só merecia os adjetivos "exóticos" ou "folclórico", virou a febre do Primeiro Mundo - toca na rádio, está nas paradas... É o futuro? Ou é apenas mais uma jogada de mercado?
Já há dois mil anos o historiador Plínio, o Velho, escrevia que "sempre há alguma coisa nova vinda da África". No umbral do terceiro milênio, o ocidente branco, afluente e, em teoria, civilizado descobriu finalmente que alguma coisa nova não só vem da África como do Oriente Médio, do Islam, dos Balcãs, da Ásia Oriental, dos confins da América do Sul. Essa é a questão de fundo em torno da world music - um dos rótulos capitais da indústria transnacional da música a partir de 87.
World music é um guarda-chuva de marketing. Significa "música de todo o mundo"? Não. Significa uma acumulação de sons, aos quais os ouvidos do primeiro mundo - teoricamente América do Norte e Europa Ocidental - não estão acostumados. Qualquer ritmo brasileiro, do maracatu ao samba de breque, entra no rótulo world music. Essa estratégia confere às gravadoras internacionais uma capacidade de manipulação conveniente e infinita. O contato com culturas distantes, para o público consumidor hiperafluente da Europa, da América e do Japão, não fica mais reduzido a visitas a museus, livros como The Rest of the Nuba, de Leni Riefenstahl, ou uma voltinha por certos guetos terceiro e quarto-mundistas de Londres, Paris ou Nova York. World music é o melhor golpe de marketing da indústria desde a exploração comercial do punk. Europeus, quando largam seu "ar condicionado" para irem à África, sofrem profundo choque cultural. Reclamam que é sujo, quente, cheira mal e não tem suco de laranja geladinho expremido na hora. Muito melhor ouvir world music no CD do Volvo familiar. Boa parte desse público afluente tem viajado muito em suas cadeiras de design milanês. Até já aprendeu as variações geográficas relacionadas com os diferentes sons - mabaqamga, sungura, soukous, zouk. Exulta com as variações nigerianas entre o high-life, a ju-ju music e o afro-jazz de Fela Khuti. Sabe de cor alguns cantos superpostos à indestrutível batida das townships de Soweto. Compra toda a produção de selos ingleses especializados, como Earthworks, Globestyle e SternŽs.
O possível mercado de massa no ocidente para a música do Islam, do Oriente Médio e do Norte da África (especialmente Marrocos, Argélia e Sudão), foi detectado a partir da agitação em torno dos alaialah da disco-queen iemenita Ofra Haza (chupada por Cold Cut no já famoso remix das feras do gueto Eric B & e Rakim) e encorajado pela paixão de estilistas de salão parisiense pela música rai. Uma das questões iniciais que a indústria se propõs foi a seguinte: como provocar a demanda de massa para as torturadas autolambadas islâmicas de clones de Tom Jones em cima de uma trilha artificial de estúdio?
Já existia uma demanda em escala razoável. Uma prova prática, em Londres, foi a delícia indiscriminada acionada pelos shows dos Bhundu Boys, de Zimbabwe, em 87. Até que enfim as classes médias tinham sua chance de pular, como na desrepressão da era punk. Cenas memoráveis agora eram visíveis em todo concerto afro. Quem fica na frente solta seus membros descoordenados, mexe as nádegas em uma curiosa imitação das esposas de Fela e entra em clímax, como se estivesse em uma cerimônia de pentecostalistas americanos regida pelo gospel. Quem fica atrás veste-se com detalhes étnicos e acompanha as complexas batidas com discretos movimentos dos quadris.
Paris é a capital da world music, seguida de longe por Londres. Músicos africanos pós-segunda Guerra Mundial entraram na cena musical parisiense através do jazz. Durante os anos 50 e 60, estilos de pop africano francófono começaram a chamar a atenção: o makossa, da República dos Camarões, e o soukous, uma dance music do Congo baseada na rumba. Manu Dibango, cujo passaporte original é dos Camarões, estourou em 73 com um sucesso de crossover, "Soul Makossa". A partir daí, a cena musical afro-caribenha de Paris rapidamente ultrapassou a londrina em importância.
Há várias razões. Paris tem uma população considerável de afro-caribenhos - pelo menos 500 mil, incluindo os africanos do norte os clandestinos. Divertem-se com um elã incontrolável na puritana Inglaterra "Deus, Pátria e Trabalho" de Margaret Thatcher. Dezenas de restaurantes variam do extrachic a botecos rumorosos como o Fourou Tora. Nos night-clubs das duas margens do Sena, os "sapeurs" do Zaire, jovens dândis, desfilam suas roupas de designer compradas a peso de couro (não sul-africano) até as cinco da manhã (em Londres os night-clubs fecham no máximo entre duas e três). Nos subúrbios do norte da cidade, salões municipais ficam entupidos nos fins de semana com os shows-bailes de bandas visitantes, diretamente das matrizes afro. E desde o início dos anos 80 surgiram pelo menos 40 pequenas estações de rádio independentes na capital francesa, para atender a diferentes comunidades e grupos de interesse.
O "reconhecimento" europeu traduziu-se no surgimento de hits. O esplêndido álbum de 87 do mestre albino de Mali, Salif Keita (Soro), e o hit single de 88 do quineense (ou seja, natural de Guiné Bissau), Mory Kanté ("Yeke Yeke"), pegaram qualquer desavisado da rua, após uma conveniente cirurgia cosmética de crossover. Com sua voz que corre três oitavas, e com seu "Im Min Alu", produzida nos estúdios de Trevor Horn (o homem que inventou o som do Frankie Goes To Hollywood), Ofra Haza colocou a disco-music iemenita no mapa-múndi. A sensualidade de seus mix e a beleza pessoal desta israelita obliteraram até mesmo suas concorrentes européias no mercado, como a pin-up do balearic beat, Sabrina.
O mix de sons da África francófona, pop europeu e zouk das Antilhas francesas, só poderia provocar uma dance-music exuberante, em contraste com as ameaçadoras e/ou ensurdecedoras batidas do hip-hop e da house music, que dominam a cena noturna londrina. Max Roach, baterista de jazz emérito, já disse que o hip-hop não é música: é um exercício sônico. O mérito principal de disc-jóqueis londrinos e scratchers nova-iorquinos tem sido capturar uma série de ortodoxias étnicas da world music, e confrontá-la com a blasfêmia das beat boxes e osciladores. Vide o trabalho de colagem de Cold Cut.
É muito instrutivo comparar, por exemplo, o mix original de "Yeke Yeke", exuberante, com o remix acid house londrino - obsessivo, megatecnológico. Mory Kanté é um "griot", um músico hereditário do povo mandinga, treinado para cantar sua história oral. É também um mestre da "Kora", um instrumento de 21 cordas de forma fálica, que soa como uma harpa. Mory pegou um canto tradicional do campo - uma mulher que não consegue arar a terra porque seu bebê está chorando - e o transformou em um top 10 hit das paradas européias em 88. O "mistério" está no mix, quando observamos Mory ao vivo. Sua marca registrada é um tenor forte, em contraste com os vocais da garota de sua banda. Como cantor e como músico, de está na mesma classe de Salif Keita e Youssou N'Dour. Não hesita em pilhar a vulgaridade europop, chegando a incitar a platéia a corinhos estilo Abba. Tem uma seção de saxofones extra-radical chic: um francês e uma sueca, vestidos como um par de vikings psicodélicos, mas impecáveis ao atacar riffs em estilo zouk para pontuar as canções de Mory. E atrás, segurando todas, temos dois dos principais músicos de estúdio africanos em Paris: o baixista Willy N'For e o baterista Kuo Joseph.
Brian Eno e David Byrne fizeram um clássico pré-world music em My Life in the Bush 01 Ghosts. Peter Gabriel pesquisa world music desde o início da década e deu todo o impulso possível à exposição de Youssou N'Dour. David Byrne vai a Paris a três por dois para pilhar sons africanos, tanto para os Talking Heads quanto para suas trilhas de cinema, teatro e dança. Philip Glass pilhou todo o globo para construir a trilha sonora de Powaqaatsi, o filme de Godfrey Reggio, seu libelo edulcorado contra o abismo norte-sul planetário (mas o melhor momento da trilha de Glass é uma intervenção solitária de Ali Farka Toureh). Os cantos de Soweto produzem os momentos mais emocionantes de Um Grito de Liberdade, o grito liberal de Richard Attenborough contra o apartheid. Quem nunca ouviu ritmos sul-africanos ou aborígenes teve sua chance na transmissão global via satélite do concerto em homenagem a Nelson Mandela - onde duas das melhores intervenções foram de Youssou NŽDour (Senegal) e Salif Keita (Mali). As prateleiras de supermercados musicais, como a Virgin e a Tower Records, contêm filas intermináveis sob o rótulo world music. E nas paradas encontramos de tudo: folk irlandês, cantos religiosos do Kuwait, tambores de Bali, música cigana da Romênia, cordas da Bulgária, "Jive" de Joanesburgo, dessacralizações do pop japonês e do pop fundamentalista italiano, e uma ofensiva da rai music da Argélia.
O rai é um som de rebeldia juvenil. Seu santuário são os bordéis em torno do porto argelino de Oran, longe dos braços integralistas da elite religiosa dominante. Oran está na costa do Mediterrâneo, perto do Marrocos. O Marrocos tem farta influência espanhola. O rai de fascínio popular surgiu de um berço absolutamente mix: beduíno, espanhol, francês, leste marroquino e "gnaoui" (África do norte negra). Cresceu em uma atmosfera descontraída da Riviera, entre cafés de night-clubs de variadíssimos graus de respeitabilidade. É um som que contém um forte elemento de prazer carnal. Quando estourou no fim dos anos 70, começo dos 80, era o som dos jovens punks locais. Preocupações de rigor: sexo, drogas e carros. Sexo sempre um problema em um Estado islâmico conservador (e socialista). Drogas, só mesmo álcool. E carros, só mesmo os Mazdas dos japoneses, porque Corvettes e Thunderbirds são inencontráveis.
Como diversas variantes da world music, o som começou a aparecer nos megaguetos de Paris, Lion e Marselha. O tam-tam eletrônico foi acionado pelos exércitos de combatentes do tédio em Paris, Londres e Tóquio. Resultado: o Estado islâmico passou a promover seu novo produto de exportação. Rai passou a ser "respeitável". Invejável estatuto para um som de revolta e com mensagens iconoclastas. Rai significa "opinião" em árabe. O refrão standard "ha-ya-rai" vem do início do século, em cantos de pastores beduínos. Funciona como uma espécie de "oh, yeah" do pop ocidental. O trompetista Massaoud Bellemou, nos anos 50, foi o responsável pela formação do "moderno som de Oran". Introduziu seção de metais, acordeão e guitarras elétricas, que terminaram eliminando as tradicionais flautas, minipercussões violinos. Nos anos 60, Bellamou começou a trabalhar com uma jovem vocalista, Chaba Fadela, atenta à evolução do rock'n'roll. Daí surgiu o pop rai, com um hit de Fadela em 79. Todo mundo, depois disso, queria ser rai star - e todos êmulos de ícones ocidentais. Os garotos adicionavam a seus nomes o prefixo "cheb" (garoto). As garotas, "chaba" (garota; que mais?).
Os chebs eram classe operária. Cantavam em casamentos, festas, cabarés e gravavam sua produção em cassetes crus para o mercado em constante expansão. Um produtor, geralmente o dono de uma loja de cassetes, pagava uma ninharia para um cantor e sua banda e gravava ao vivo em estúdio de fundo de quintal, sem ensaio e sem mixagem posterior. No meio dessa anarquia, terminaram aparecendo os Berry Gordy e Phil Spector do rai: os irmãos Rachid e Fethi Ahmed. Tinham uma banda de rock chamada The Vultures nos anos 60. Descobriram que música popular árabe gravada em um estúdio de oito canais poderia ser um grande negócio nos anos 70.
Entre as chabas, a rainha ainda é sem dúvida Fadela, casada e feliz mãe de família. Sua grande rival é a marroquina Chaba Zahouania- proibida pela família de aparecer na capa de seus cassetes, onde é substituída por modelos. O rei do rai, e em breve ídolo pop internacional, é o indiscutível Cheb Khaled. Toma duas garrafas de uísque por dia. O governo já chegou a lhe negar emissão de passaporte. Representa para os argelinos o que George Michael representa para os ingleses (e canta melhor).
Rai vende horrores. Centenas de milhares de cassetes, na Argélia e no oitavo "arrondissement" de Paris - o Goutyte d'Or, convertido em um gigantesco souk. As estrelas do rai cantam não só para milionários bêbados nos cabarés da Argélia como animam concertos de gala nos subúrbios parisienses. O som já está entrando em uma nova fase de luxo. Cheb Khaled, que costumava gravar um disco inteiro por um cachê fixo de oito mil dólares, gravou seu último LP com um produtor francês e, só de estúdio, a conta chegou a 160 mil dólares. O som é dramaticamente disco - imposição para conquista de mercado. O problema é que, para empatar com os gastos, este disco de Khaled precisa vender pelo menos 180 mil cópias, o que não é fácil para um som que só agora está aparecendo no mercado mundial.
Quanto mais variantes da world music sonham com o estouro de massa, mais se afastam de Paris. Os estúdios locais não são tecnicamente tão avançados quanto os de Londres. Gravadoras francesas não têm a mesma experiência de marketing das mega-americanas e inglesas. Aspirantes a superstars, como Youssou, Salif ou Alpha Blondy - o reggae man da Costa do Marfim -, têm de pensar em termos de sucesso na Inglaterra e EUA, mas o rai e outras variantes de world music podem não suportar a ofensiva em busca dos megadólares. Vide o que aconteceu com a Island, em 82. A gravadora não conseguiu vender King Sunny Adé para o público de o massa. Todas as gravadoras se livraram de seus africanos recém-contratados como se fossem uma praga. Com a expansão do mercado sob este abre-te Sésamo - world music - o problema não se repetirá.
Há dúvidas quanto à penetração de camadas de world music no Brasil. Depende do interesse de gravadoras e de se vencer uma série de preconceitos culturais espargidos por medíocres profissionais em seus gabinetinhos burocráticos. Se não acontecer nada, é muito simples: basta pegar um avião, para Paris, a meca dos sons da África e da Ásia, entrar no metrô, descer na estação de Barbés-Roche-chouart, e pronto: bem-vindos à melhor sala de visitas musical do terceiro mundo (e do quarto, e do quinto, e do sexto...).
31/03/2008
Kuduro em Salvador
Gaúcho ensina dança do Kuduro em Salvador
por Iuri Rubim
Ex-jogador de futebol, o gaúcho Álvaro di Amaro é talvez o primeiro artista a trabalhar de forma consistente o kuduro no Brasil. Desde 2003, DJ Panafricano esforça-se em difundir o gênero musical.
Álvaro foi zagueiro, jogou no Brasil de Pelotas e veio para a Bahia há cerca de 11 anos por causa do futebol. Daquela época, restam o porte atlético e o inseparável par de chuteiras, que sempre leva para a pista de dança.
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por Iuri Rubim
Ex-jogador de futebol, o gaúcho Álvaro di Amaro é talvez o primeiro artista a trabalhar de forma consistente o kuduro no Brasil. Desde 2003, DJ Panafricano esforça-se em difundir o gênero musical.
Álvaro foi zagueiro, jogou no Brasil de Pelotas e veio para a Bahia há cerca de 11 anos por causa do futebol. Daquela época, restam o porte atlético e o inseparável par de chuteiras, que sempre leva para a pista de dança.
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22/03/2008
Entrevista / Angélicque Kidjo: A diva do funk
Considerada a diva do funk africano, Angélicque Kidjo pretende
aliar os ritmos e espíritos do seu país à diversidade de outras culturas.
Gideon Rosa
Ela quer fazer uma ponte definitiva entre a cultura do Benin e da Bahia através da música. Nascida no Benin, na cidade Ouidah, de onde saiu grande parte, senão a maior parte, dos escravos para o Brasil, Angélicque Kidjo teve que deixar seu país perseguida pelos comunistas, mas conseguiu continuar sua carreira na França, de onde passou a ser conhecida e respeitada nos importantes mercados da Europa e dos Estados Unidos. Uma vitória relevante, pois isso não acontecia desde o sucesso de Miriam Makeba. Ela odeia rótulos e acha que esse é um comportamento típico dos colonizadores, que são incapazes de entender a diversidade.
P - Cantar sobre um trio elétrico provocou alguma mudança na senhora?
R - Estar sobre um trio elétrico é qualquer coisa de genial. Ter um trio elétrico na África faria um bem enorme à música e às pessoas, que teriam acesso a um espetáculo ao vivo.
P - O que a atrai na música brasileira?
R - Eu escuto a música brasileira desde cedo, ainda no Benin. Tenho muitas referências: Jobim é o primeiro, Chico Buarque e Roberto Carlos, que fazia enorme sucesso com Amada, Amante (canta um trecho da música)... depois, eu conheci Caetano, Gilberto Gil, Caetano, Daniela, que gravou uma de minhas canções. Tem gente como Marisa Monte, Bethânia, Virgínia Rodrigues, com quem cantei e voltarei a cantar, em Nova Iorque, no mês de abril.
P - Que traços a senhora identificou entre o Benin e a Bahia?
R - A Bahia e o Benin têm uma relação que se reporta ao tempo da escravatura. Então, já existe, no aspecto humano, uma mistura forte entre os beninianos e os brasileiros. Lá, existem várias famílias de origem brasileira, que têm uma música tradicional chamada bouniyan, muito parecida com o samba. Chegar à Bahia é reencontrar os mesmos odores, praticamente as mesmas árvores, a mesma comida, como acarajé, farofa, feijoada, quiabo, vatapá, bobó...Tudo isso eu como em minha casa. Vir à Bahia é reencontrar o Benin do outro lado do oceano.
P - É verdade que pessoas de sua família viveram no Brasil como escravos?
R - Sim. Tem uma parte da família de minha mãe que tem sangue brasileiro e outra parte tem sangue português, que é a parte do pai de minha mãe. Eles vieram ao Brasil e, depois, conseguiram voltar para a África, principalmente, com o final da escravatura.
P - A senhora já identificou traços da cultura original do Benin no Brasil?
R - O candomblé é diferente da cerimônia de vodu (religião ancestral do candomblé) no Benin. Eu jamais estive num terreiro aqui, mas eu vi uma cerimônia de Oxumaré; o canto e a melodia são parecidos, mas as palavras são diferentes. A outra diferença é que tudo no Benin é do lado de fora, aqui, os escravos foram obrigados a fazer uma cobertura para as cerimônias e isso permaneceu. O vodu é uma religião de unidade, e os colonizadores não queriam que nós permanecêssemos unidos. Apesar dos esforços dos missionários, o vodu é a religião mais forte no Benin.
P - A senhora está gravando com Daniela e Carlinhos Brown?
R - Eu já fiz uma canção com Daniela, para o disco Sol da Liberdade (Dara), na qual fazemos um duo. E escrevi canções com Carlinhos (cujos títulos provisórios são Tuonba, Yemandjá, Oba, Wékézoun, Egúngún).
P - Desde Miriam Makeba, a senhora foi a única que conseguiu fazer grande sucesso fora da África. Existe uma razão para isso?
R - Quando eu comecei a cantar, tive o apoio incondicional de meus pais, meu pai produziu meu primeiro espetáculo. E a pessoa que me deu coragem para abraçar o mundo foi Miriam Makeba, porque se ela pôde fazer, eu também poderia, afinal, ela veio de um país cuja história era terrível, ela veio do apartheid.
P - O que a senhora pensa do rótulo world music?
R - Esse rótulo foi inventado para que as pessoas sejam capazes de encontrar as músicas nas lojas. Na verdade, isso é um resíduo forte do colonialismo; eles gostariam de colocar o rótulo terceiro mundo, mas, talvez, isso fosse perigoso, então eles colocaram world music.
P - Como a senhora define sua música?
R - Eu escrevo música com meu marido (o compositor Jean Hebrail), falando de coisas que me tocam, da minha cultura, da minha identidade. Isso se vê imediatamente, percebe-se que não é uma brasileira que canta, que não é uma americana, uma francesa, mas uma africana. Isso me deixa orgulhosa. Meu trabalho é uma mistura da música do meu país que encontra uma outra cultura. Eu cresci escutando música do mundo inteiro, Rolling Stones, Beattles, James Brown, Jimi Hendrix.
P - Numa entrevista, a senhora disse que Oremi, seu último disco, era a primeira parte de uma trilogia, que incluía Brasil, Haiti e Cuba. A senhora já está começando a trabalhar na segunda parte?
R - Esse trabalho começou em outubro, quando eu escrevi canções com Carlinhos Brown, e teve continuidade na última segunda-feira. O próximo disco terá a colaboração de Carlinhos Brown. Eu comecei as primeiras gravações aqui, porque, pra mim, é indispensável ter a percussão daqui.
(A Tarde, 16/03/2000)
Considerada a diva do funk africano, Angélicque Kidjo pretende
aliar os ritmos e espíritos do seu país à diversidade de outras culturas.
Gideon Rosa
Ela quer fazer uma ponte definitiva entre a cultura do Benin e da Bahia através da música. Nascida no Benin, na cidade Ouidah, de onde saiu grande parte, senão a maior parte, dos escravos para o Brasil, Angélicque Kidjo teve que deixar seu país perseguida pelos comunistas, mas conseguiu continuar sua carreira na França, de onde passou a ser conhecida e respeitada nos importantes mercados da Europa e dos Estados Unidos. Uma vitória relevante, pois isso não acontecia desde o sucesso de Miriam Makeba. Ela odeia rótulos e acha que esse é um comportamento típico dos colonizadores, que são incapazes de entender a diversidade.
P - Cantar sobre um trio elétrico provocou alguma mudança na senhora?
R - Estar sobre um trio elétrico é qualquer coisa de genial. Ter um trio elétrico na África faria um bem enorme à música e às pessoas, que teriam acesso a um espetáculo ao vivo.
P - O que a atrai na música brasileira?
R - Eu escuto a música brasileira desde cedo, ainda no Benin. Tenho muitas referências: Jobim é o primeiro, Chico Buarque e Roberto Carlos, que fazia enorme sucesso com Amada, Amante (canta um trecho da música)... depois, eu conheci Caetano, Gilberto Gil, Caetano, Daniela, que gravou uma de minhas canções. Tem gente como Marisa Monte, Bethânia, Virgínia Rodrigues, com quem cantei e voltarei a cantar, em Nova Iorque, no mês de abril.
P - Que traços a senhora identificou entre o Benin e a Bahia?
R - A Bahia e o Benin têm uma relação que se reporta ao tempo da escravatura. Então, já existe, no aspecto humano, uma mistura forte entre os beninianos e os brasileiros. Lá, existem várias famílias de origem brasileira, que têm uma música tradicional chamada bouniyan, muito parecida com o samba. Chegar à Bahia é reencontrar os mesmos odores, praticamente as mesmas árvores, a mesma comida, como acarajé, farofa, feijoada, quiabo, vatapá, bobó...Tudo isso eu como em minha casa. Vir à Bahia é reencontrar o Benin do outro lado do oceano.
P - É verdade que pessoas de sua família viveram no Brasil como escravos?
R - Sim. Tem uma parte da família de minha mãe que tem sangue brasileiro e outra parte tem sangue português, que é a parte do pai de minha mãe. Eles vieram ao Brasil e, depois, conseguiram voltar para a África, principalmente, com o final da escravatura.
P - A senhora já identificou traços da cultura original do Benin no Brasil?
R - O candomblé é diferente da cerimônia de vodu (religião ancestral do candomblé) no Benin. Eu jamais estive num terreiro aqui, mas eu vi uma cerimônia de Oxumaré; o canto e a melodia são parecidos, mas as palavras são diferentes. A outra diferença é que tudo no Benin é do lado de fora, aqui, os escravos foram obrigados a fazer uma cobertura para as cerimônias e isso permaneceu. O vodu é uma religião de unidade, e os colonizadores não queriam que nós permanecêssemos unidos. Apesar dos esforços dos missionários, o vodu é a religião mais forte no Benin.
P - A senhora está gravando com Daniela e Carlinhos Brown?
R - Eu já fiz uma canção com Daniela, para o disco Sol da Liberdade (Dara), na qual fazemos um duo. E escrevi canções com Carlinhos (cujos títulos provisórios são Tuonba, Yemandjá, Oba, Wékézoun, Egúngún).
P - Desde Miriam Makeba, a senhora foi a única que conseguiu fazer grande sucesso fora da África. Existe uma razão para isso?
R - Quando eu comecei a cantar, tive o apoio incondicional de meus pais, meu pai produziu meu primeiro espetáculo. E a pessoa que me deu coragem para abraçar o mundo foi Miriam Makeba, porque se ela pôde fazer, eu também poderia, afinal, ela veio de um país cuja história era terrível, ela veio do apartheid.
P - O que a senhora pensa do rótulo world music?
R - Esse rótulo foi inventado para que as pessoas sejam capazes de encontrar as músicas nas lojas. Na verdade, isso é um resíduo forte do colonialismo; eles gostariam de colocar o rótulo terceiro mundo, mas, talvez, isso fosse perigoso, então eles colocaram world music.
P - Como a senhora define sua música?
R - Eu escrevo música com meu marido (o compositor Jean Hebrail), falando de coisas que me tocam, da minha cultura, da minha identidade. Isso se vê imediatamente, percebe-se que não é uma brasileira que canta, que não é uma americana, uma francesa, mas uma africana. Isso me deixa orgulhosa. Meu trabalho é uma mistura da música do meu país que encontra uma outra cultura. Eu cresci escutando música do mundo inteiro, Rolling Stones, Beattles, James Brown, Jimi Hendrix.
P - Numa entrevista, a senhora disse que Oremi, seu último disco, era a primeira parte de uma trilogia, que incluía Brasil, Haiti e Cuba. A senhora já está começando a trabalhar na segunda parte?
R - Esse trabalho começou em outubro, quando eu escrevi canções com Carlinhos Brown, e teve continuidade na última segunda-feira. O próximo disco terá a colaboração de Carlinhos Brown. Eu comecei as primeiras gravações aqui, porque, pra mim, é indispensável ter a percussão daqui.
(A Tarde, 16/03/2000)
01/03/2008
programa 06 - especial Fela Kuti
apresentação: Mario Sartorello
produção: Roberto Barreto
colaboradores: Dj Sankofa
Fela Kuti & Koola Lobitos
- Highlife Time
- Omuti Tide
Fela Kuti
- Obe
- Ako
- Fef Ka Efe
- Open & Close
- Water No Get Enemy
Tony Allen
- Ise Nla
Femi Kuti
- Truth Don Die
Jorge Ben Jor & Dead Prez/Talib Kweli/Bilal/Positive Force
- Shuffering And Schmiling
Fela Kuti
- Lady
-------------
ouça e baixe aqui
produção: Roberto Barreto
colaboradores: Dj Sankofa
Fela Kuti & Koola Lobitos
- Highlife Time
- Omuti Tide
Fela Kuti
- Obe
- Ako
- Fef Ka Efe
- Open & Close
- Water No Get Enemy
Tony Allen
- Ise Nla
Femi Kuti
- Truth Don Die
Jorge Ben Jor & Dead Prez/Talib Kweli/Bilal/Positive Force
- Shuffering And Schmiling
Fela Kuti
- Lady
-------------
ouça e baixe aqui
16/02/2008
Curtas africanos na Alexandre Robatto
Uma série de filmes africanos vai ser exibida na sessão Pérolas Negras, que acontece na Sala Alexandre Robatto, Barris, de 15 a 21 deste mês, às 15, 17h30 e 20 horas, com entrada franca. Os curtas são inéditos no Brasil e fazem parte do projeto Histórias da África, que reúne uma centena de estruturas locais na região africana, em prol de campanhas de prevenção à contaminação pelo vírus da Aids.
Na programação, serão exibidos os curtas A Árvore e o Vento, de Mahamat-Saleh Haroun, B oas Razões, de Abderrahmane Sissako, Paz de Espírito, de Fanta Régina Nacro, Sempre Alerta, de Hamet Diagne, entre outros.
(Laura Dantas, A Tarde)
--------------------
Cineinsite
Alexandre Robatto
Rua General Labatut, 27, subsolo - Barris Tel: (71)3116-8100
Capacidade 72 pessoas
Sessão Pérolas Negras
com novos curtas-metragens
do projeto Histórias da África
Legendado -
Mostra de Filmes
15:00; 17:30; 20:00
Endereços na internet :
Site : http://www.dimas.ba.gov.br/02/02/index.html
E-mail : dimas@funceb.ba.gov.br
Valor do ingresso :
Entrada Franca
Sinopse
Histórias da África é um projeto de prevenção à contaminação pelo vírus HIV, executado em cooperação por mais de uma centena de estruturas locais trabalhando em parceira, na África ocidental e em outras regiões africanas. O projeto é coordenado pela Global Dialogues. Para obter mais informações ou contribuir com a iniciativa pode-se acessar o endereço eletrônico www.globaldialogues.org.
Programação
Sessões às 15h, 17h30 e 20h
Curtas-metragens:
A Árvore e o Vento (Chade - 9min.- Censura Livre)
Direção: Mahamat-Saleh Haroun
Sinopse: A jovem Fátima está preocupada. O seu tio encontra-se perto de cumprir a tradição e casar com a viúva do seu irmão. Mas, e se o irmão morreu de Aids? Fátima pergunta à sua avó a derradeira questão: “Que caminho deve ser tomado, quando a tradição e a saúde estão em rota de colisão?”.
Boas Razões (Senegal - 6min.- Censura Livre)
Direção: Abderrahmane Sissako
Sinopse: Na rua, em frente à casa de Sílvia, um grupo de jovens trava uma acesa discussão sobre se é ou não é uma boa idéia fazerem o teste de HIV. Quando um deles aborda o tema da transmissão de mãe para filho, Sílvia torna-se toda ouvidos...E com boa razão.
Paz de Espírito (Burkina Faso - 9min. - Censura Livre)
Direção: Fanta Régina Nacro
Sinopse: Patrício cometeu um grande erro. Não se protegeu! Ele descobre que a melhor forma de recuperar a sua paz de espírito é se submeter ao teste de HIV e descobre também, que o teste não é tão difícil como julgava.
Solidariedade Africana (Chade - 11min. - Censura Livre)
Direção: Mahamat-Saleh Haroun
Sinopse: Um avô preocupado e orgulhoso da lendária solidariedade de seu continente apela à sua família: um dos seus familiares contraiu Aids e não consegue, sozinho, suportar os custos dos medicamentos, que lhe poderão ajudar a prolongar a vida.
Apelo à Ação (Burkina Faso - 8min. – Censura Livre)
Direção: Fanta Régina Nacro
Sinopse: A jovem Sali está determinada a agir. Alarmada com a forma como o HIV afetou a vida dos que lhe são próximos, Sali lança um apelo por um melhor acesso a medicamentos anti-retrovirais no seu país.
Sempre Alerta (Senegal - 10min. - Censura Livre)
Direção: Hamet Fall Diagne
Sinopse: Artur, uma conceituada estrela do rádio, não acredita nos seus ouvidos, quando uma jovem ouvinte revela, ao participar do programa, que a proteção contra o HIV torna-se desnecessária, uma vez que, já existem medicamentos disponíveis. De forma dramática, Artur argumenta, que este não é ainda o momento de se baixar a guarda.
O Essencial da Questão (Rep. Dem. do Congo – 9min - Censura Livre)
Direção: Mahamat-Saleh Haroun
Sinopse: Esta é a história de dois jovens apaixonados. Como indivíduos e como um casal, como eles vão lidar com o fato de que um deles vive com o HIV? Qual é no fundo a alma da questão?
Na programação, serão exibidos os curtas A Árvore e o Vento, de Mahamat-Saleh Haroun, B oas Razões, de Abderrahmane Sissako, Paz de Espírito, de Fanta Régina Nacro, Sempre Alerta, de Hamet Diagne, entre outros.
(Laura Dantas, A Tarde)
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Cineinsite
Alexandre Robatto
Rua General Labatut, 27, subsolo - Barris Tel: (71)3116-8100
Capacidade 72 pessoas
Sessão Pérolas Negras
com novos curtas-metragens
do projeto Histórias da África
Legendado -
Mostra de Filmes
15:00; 17:30; 20:00
Endereços na internet :
Site : http://www.dimas.ba.gov.br/02/02/index.html
E-mail : dimas@funceb.ba.gov.br
Valor do ingresso :
Entrada Franca
Sinopse
Histórias da África é um projeto de prevenção à contaminação pelo vírus HIV, executado em cooperação por mais de uma centena de estruturas locais trabalhando em parceira, na África ocidental e em outras regiões africanas. O projeto é coordenado pela Global Dialogues. Para obter mais informações ou contribuir com a iniciativa pode-se acessar o endereço eletrônico www.globaldialogues.org.
Programação
Sessões às 15h, 17h30 e 20h
Curtas-metragens:
A Árvore e o Vento (Chade - 9min.- Censura Livre)
Direção: Mahamat-Saleh Haroun
Sinopse: A jovem Fátima está preocupada. O seu tio encontra-se perto de cumprir a tradição e casar com a viúva do seu irmão. Mas, e se o irmão morreu de Aids? Fátima pergunta à sua avó a derradeira questão: “Que caminho deve ser tomado, quando a tradição e a saúde estão em rota de colisão?”.
Boas Razões (Senegal - 6min.- Censura Livre)
Direção: Abderrahmane Sissako
Sinopse: Na rua, em frente à casa de Sílvia, um grupo de jovens trava uma acesa discussão sobre se é ou não é uma boa idéia fazerem o teste de HIV. Quando um deles aborda o tema da transmissão de mãe para filho, Sílvia torna-se toda ouvidos...E com boa razão.
Paz de Espírito (Burkina Faso - 9min. - Censura Livre)
Direção: Fanta Régina Nacro
Sinopse: Patrício cometeu um grande erro. Não se protegeu! Ele descobre que a melhor forma de recuperar a sua paz de espírito é se submeter ao teste de HIV e descobre também, que o teste não é tão difícil como julgava.
Solidariedade Africana (Chade - 11min. - Censura Livre)
Direção: Mahamat-Saleh Haroun
Sinopse: Um avô preocupado e orgulhoso da lendária solidariedade de seu continente apela à sua família: um dos seus familiares contraiu Aids e não consegue, sozinho, suportar os custos dos medicamentos, que lhe poderão ajudar a prolongar a vida.
Apelo à Ação (Burkina Faso - 8min. – Censura Livre)
Direção: Fanta Régina Nacro
Sinopse: A jovem Sali está determinada a agir. Alarmada com a forma como o HIV afetou a vida dos que lhe são próximos, Sali lança um apelo por um melhor acesso a medicamentos anti-retrovirais no seu país.
Sempre Alerta (Senegal - 10min. - Censura Livre)
Direção: Hamet Fall Diagne
Sinopse: Artur, uma conceituada estrela do rádio, não acredita nos seus ouvidos, quando uma jovem ouvinte revela, ao participar do programa, que a proteção contra o HIV torna-se desnecessária, uma vez que, já existem medicamentos disponíveis. De forma dramática, Artur argumenta, que este não é ainda o momento de se baixar a guarda.
O Essencial da Questão (Rep. Dem. do Congo – 9min - Censura Livre)
Direção: Mahamat-Saleh Haroun
Sinopse: Esta é a história de dois jovens apaixonados. Como indivíduos e como um casal, como eles vão lidar com o fato de que um deles vive com o HIV? Qual é no fundo a alma da questão?
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